音乐的论文
在日常学习、工作生活中，许多人都有过写论文的经历，对论文都不陌生吧，通过论文写作可以提高我们综合运用所学知识的能力。一篇什么样的论文才能称为优秀论文呢？以下是小编为大家整理的音乐的论文，希望能够帮助到大家。
音乐的论文1
一、印度音乐神奇的旋律与节奏
印度音乐源远流长,至少有3000年历史。印度文化的多样性特征、印度艺术同宗教千丝万缕的联系、印度艺术与原始思维的密切联系等等特点都在音乐中体现出来。印度音乐具有以下四个主要的特征：多样化的统一;象征性;大众化与实用性;独特的调式、旋律与节奏。
印度音乐的多样化首先表现在历史的过程中，不断融合了各民族的音乐元素。最初生活在印度土地上的达罗比荼人就有本民族的原始的音乐和舞蹈，以后陆续进人印度的有雅利安人、希腊罗马人、蒙古人、突厥人、伊朗伊斯兰人和近代进人的荷兰人和英国人等都带来了自己民族的音乐，在印度现代音乐中，可以发现各民族的音乐元素和特征,这些共同构成了印度音乐的总体特色。其次，印度从古代起,音乐就因为种姓的区分而划分为民间音乐和宫廷——贵族音乐；由于印度地理的复杂性，又导致了不同地区又有各自的部族的音乐。例如，在印度古典音乐中，就有南、北音乐之分;现代社会中，又有现代北印度音乐和南印度古典音乐以及现代流行音乐之分。再次，印度音乐就发音方式而分,还可以分为用手指弹出的音乐、在某种皮膜上敲击出的音乐、用气吹出的音乐、金属撞击发出的音乐和人类的喉咙发出的音乐等，这些发音分类又在不同民族和不同地区形成了各自的音乐演奏系统。与此相联系,古印度音乐学家哈瑞纳亚克（Harinayak)还把声音分为三种：即生物之声，如人声;非生物之声，如乐器;生物与非生物结合之声,如竹笛。上述这些多样化的因素又统一在“印度音乐风格”的旗帜下，形成既不同于西方音乐，又不同于东亚、西亚音乐的“印度音乐”。
印度音乐具有鲜明的象征性特点。在印度古代的音乐典籍《音乐论》(SangitMakaranda)中,作者纳拉达（Namda)就说:是七位圣人分别在七个岛上、在不同的时间中创造了七种不同的声音（Nadas),这七种声音代表七个不同的神灵，它们与不同的色彩相联系,各自象征不同的色彩。这说明每一乐音有其各自的象征意义和功能。.在桑拉伽?德瓦（SarangaDeva)写作于1247年的音乐著作《夜晚的音乐》（SangitRat-nakar)中记载:印度音乐中的三种不同的调式，即主调音阶、下属调音阶和中音音阶是大梵天、毗湿奴和湿婆三位神灵占卜用的数列。上述三个音阶分别配属于每一天不同的三个时段：主音音阶适用于上午；下属音阶适用于中午；中音音阶适用于下午。这三个音阶还与不同的季节相联系：主音音阶适用于晚秋的秋收季节;下属音阶适用于夏季；中音音阶适用于雨季。印度音乐以旋律为主体,旋律以线性式的结果不断向前延伸，乃至于无限地发展变化。威尔?杜兰说：印度音乐的“旋律一方面是有限的，一方面却又无限。”
“印度的音乐家如像印度的哲学家,他从有限开始而把‘灵魂放入无限’”。而“通过有限去追求和表达无限”正是印度思想的核心和特点。印度民众都相信音乐独特的神秘的力量，音乐家根据不同的调式（中文又译为“曲题”）组合成不同的旋律结构，这种结构主题又被命名为不同的名称并赋予它们不同的象征性功能。“每一主题都用它所要表出的情意来命名——‘清晨’，‘春’，‘沉醉’……等——并且和一日或一年的某个特定的期间有关联。据印度传说，这些曲题具有玄妙的力量，据说有一位孟加拉的舞蹈女郎唱了一回‘喜雨题’(Meghmallarraga)而中止了一次旱灾。这些曲题由于年代久远而具有一种神圣的力量，演奏者必须忠实地遵循它们，好像当作湿婆是所创造的形式一样。此外，古代印度音乐理论常把从音符2(1{3)3(]^)4^￡1)5(301)6(La)7(Si)到l(Do)的7个音与日月星辰、季节气候、禽兽鸣声、人的不同年龄以及各种颜色等相匹配、比拟,同时还以相关的调式来象征这些事物的存在和特点。例如，把上述7个音分别象征为、比喻为月亮、水星、金星、太阳、火星、木星、土星；或比喻为孔雀、牡牛、山羊、苍鹭、杜鹃、马、大象的鸣叫声。这一切都表明：印度音乐理论所竭力要说明的，不是音乐本身的规律或方法，而是为了证明某种哲理，解说某种真理。例如，在印度佛经《长阿含弊宿经》中，有一个运用音乐演奏的事例来说明佛教哲学关于事物的真理是“和合而成”的道理，其目的不是解说音乐本身,而是取譬喻理来说明佛教哲理,迦叶说：“诸有智者以譬喻得解，今当为汝引喻。昔有一国不闻贝声。时，有一人善吹贝，往到彼国，人村执贝三吹，然后置地。时，村人男女闻声惊动，皆就往问：‘此是何声，哀和清澈乃如是耶？’彼人指贝曰：‘此物声也’。时，彼村人以手触贝曰?/汝可做声，汝可做声’。贝都不鸣。其主取贝三吹置地。时,村人言：‘向者美声非是贝力,有手，有口，有气吹之，然后乃鸣。’这则故事旨在说明美和美感是人与贝螺两者因缘和合而成的道理，并不在于讲解音乐本身的理论。上述例证充分地说明了印度音乐的象征性。
印度音乐是大众化的实用性的音乐。印度音乐起源于古代人类为了生存而进行的实践活动中，原始宗教的巫术活动、祈祷仪式、民间节日庆典等则是其主要的表现方式。在这些活动中，诗与歌、音乐与舞蹈都在宗教仪式中融为一体，都是表达生存意愿和宗教理念的方式。这些活动原本都是群众性、大众性的活动。人们在这些活动中，既是表演者，又是欣赏者，音乐舞蹈是印度人生活内容中的一部分。“音乐在印度人民的宗教生活、艺术生活及社会生活中起着极其重要的作用。鉴于印度音乐是从劳动号子和农业歌曲到那些伴随人一生重要事件（诸如诞生、人社、婚嫁和死亡）的音乐，是人们日常生活劳动中不可或缺的组成部分，因而大部分印度音乐可称为实用音乐。从印度古代音乐的传播方式看，其传承方式本身就是全民性的、大众化的。尽管印度音乐的乐谱可以用梵文字母书写，但通常它们不是被写录下来的。音乐是民众一代又一代借助师徒之间或家庭内部的口授和耳听的.方式记忆下来的。
印度音乐的实用性最充分地表现在宗教活动中，由此也导致了音乐的神圣性特点。早期，雅利安民族的《吠陀》诗歌就是咏唱的赞美歌，它有非常严格的声调、曲律规则，加之原始的《吠陀》语言有一个重音体系，每一个重音的不同位置都和意义相关。在《梨俱吠陀》和《耶柔吠陀》朗诵的传统中，至今都还有很多关于重音和曲调等音乐性的解释的证据。婆罗门在传授《吠陀》经典时,有一整套严格的发声训练和咏颂方法，这种传统一方面导致了印度诗歌音韵学的发达，另一方面决定了印度音乐具有严格的承传性、丰富的旋律性和不间断的线性发展模式。印度音乐除了上述宗教上的实用性外，还具有神圣性的特点。传说，有一个名叫纳拉达（Narada)的演奏者由于在演奏时漫不经心，被护法神送进了地狱，他看到一些断臂缺肢的男女在哭泣,护法神告诉他，这些人就是他在胡乱演奏时被他所扯裂得残缺不全的曲调。纳拉达非常震惊。从此，纳拉达的演奏就非常完美了。音乐的神圣性还表现在音乐的起源上。据印度神话，音乐为天神所创，天神的本性是完美，天神的音乐就是他完美的本性的显现，音乐的神圣性就在于此。不仅如此，在日常的生活中，印度民众还创立了“音乐瑜珈”。它借助特定的调式和起伏的旋律及不断地重复甚至于借着一种有催眠性的单调音符，创造了一种音乐性的瑜珈,而顿忘了意志、个性、物质与时空,灵魂被提高到一种与某种‘深度渗合’的东西达到神秘结合的境界,那是某种深沉、巨大而安祥的存在体,某种原始而周遍流行的真实，微笑地俯视着一切挣扎的意志、一切的变化与死亡。
印度音乐有独特的调式、旋律和节奏。印度音乐理论中的“乐音”（纳达,Nada)按不同的发音方式分为前面已说明的5种类型。“纳达”一词意为“生命中存在着的火焰”。“火”是组成世界万物生命存在形式的五种（地、水、火、风、空）最基本的原素之一。火是指生物尤其是人体内部的热量或火气，转义为万物的激情、情绪。这种激情通过喉咙迸发出声音，所以声音就是激情的表现，各种不同的声音就构成了音乐的情、味（msa)。这说明印度人很早就把声音和情感紧密联系起来了。在音乐中，纳达按音频的高低被分成了不同的组。从一个音开始,到该音的再次出现为一组，由于每组的高低不同，每组被赋予了不同的名称。处在低音区的叫做“曼德拉”（Mandra)，处在中音区的叫做“玛德雅”（Madhya),处在高音区的叫做“塔拉”(Tara)。在印度音乐中，“拉格和塔拉是印度古典音乐的两大要素。“拉格”一词源于梵语词根ranj,意谓色彩或带有感情色彩。音乐中的“拉格”近似于由调式而产生的基本音阶或音调体系，也可以理解为旋律。在13世纪成书的《乐舞渊海》中，拉格的总数达264种。这决定了印度音乐的复杂性和多变性。调式和拉格相结合就产生出特定的情味。这大概是拉格在音乐中具有优先地位的原因。所谓“塔拉”（Tala)即节拍、节奏。塔拉是用段、节计算。印度音乐中的塔拉由于各地音乐的差异而显得相当复杂，极难掌握;演奏中常用不均等节拍。但塔拉在音乐演奏中的作用非常重要。
印度音乐的音阶、音律也是十分丰富和特别的：有五声音阶、七声音阶，还有类似阿拉伯音乐的增二度音阶等等。“印度音乐主要是基于曲调和节奏，而西方所知的和声与复调则和印度音乐一点关系也没有。绝大多数印度音乐具有调式特征:它通常用一个建立起参照性固定结构的低音部作为伴奏,并排除那些在西方音乐中最有特点的调性变换。”[3](P311)印度和西方的大多数音乐理论家都认为，印度音乐中的一个8度音阶是由22个微分音（即“斯如梯”，Sruti；每一个“斯如梯”是四分之一个音，Quarta-tone)组成。这与西方音乐中的十二平均律的每一个8度中含有12个半音不一样,也就是说,在印度音乐中，音与音之间的距离要小得多。十二平均律中的一个大二度可以分为4个印度音乐中的“斯梯如”。印度音乐中有大量的滑音，其间就有众多的“斯梯如”成分；加之古代有许多弦乐器是无“品”的,这对于表现滑音和产生较多的斯梯如是十分有利的。由于斯梯如在音阶中的重要作用,导致了印度音乐在旋律和风格上的独特性。印度音乐作为一种调性音乐，七个音符的重要性是不同的,其中有的音符是骨干音符，而另一些则是装饰音符。骨干性的音符称之为“阿姆沙”(Amsa),由“阿姆沙”构成旋律形态，这种旋律形态叫做“那亚沙一斯瓦拉”（GrahaSwam)。旋律形态分为上行的或下行的,每首乐曲都要是以基本的旋律形态开始的,可以不断连接不同的旋律形态，由此旋律就无限地延伸。有的旋律呈波浪形发展,有的呈螺旋形变化,加之大量的装饰音以及节奏上的不断变化,使人感到印度音乐旋律的时隐时现、神出鬼没、无穷变化。千百年来，印度音乐的旋律得到了最充分的发展。
现今的印度音乐分两大体系：北印度体系是波斯、阿拉伯音乐和北印度本土音乐融合而成的体系；南印度音乐以宗教内容占主导地位，在演唱、演奏时乐音的颤动、滑动的速度较快，即兴的成分相对较少。总体上讲,印度音乐是植根于印度古老文化土壤中的奇葩异草。它无论在形式中、内容上和审美的风格上,都显示出了独特性。20世纪印度诗圣、作曲家、画家泰戈尔曾将印度民族音乐同西方音乐进行过有趣的比较。他认为，“我国的音乐在某些方面与欧洲有着根本的区别。乐调则是我国音乐的主要支柱。欧洲重视丰繁,而我们关注一致。……我国的音乐力图抓住其中的那首歌。它深沉、神秘、协调一致。它沉寂于天际，冥想中可以获得。与奔驰的丰繁同步前进,是欧洲的风格。聆听、关注永静的和谐,使自己心平气和,是我们的特性。“欧洲音乐仿佛同人类实际物质生活奇特地纠缠在一起。正因为如此,那儿的旋律被绑絷在所有的事件和描绘的基础上。在我国，曲调若那样表现’它也会奇特无比,但它就没有任何情味了。我们的歌曲仿佛超越日常生活的包装,因为它们具有如此‘慈悲’，如此‘出世’，它们仿佛显示着浩渺的宇宙自然,表现人类心灵的最深处不可言喻的神秘莫测的图画。“我好像觉得，白天的世界像欧洲音乐——它的和声与非和声在宏大的和谐进行中相互转变;黑夜的世界像印度音乐——纯正的、自由的旋律,低沉而强烈。……我们印度人是在黑夜的统治之下。我们沉浸在永远不变之中、一体中。我们的曲调是独自一人时唱给自己听的，它们使我们离开那个日常的世界，冷漠地进入孤独之中。欧洲音乐是为大众的，它带着我们前进,跳着舞，徘徊于人们的悲欢之中。只要细细品味,就可以感悟到泰戈尔的上述看法是非常深刻而精到的。
二、印度舞蹈的美学特征
同音乐一样,印度舞蹈也具有久远的历史。公元前三千年前的莫享焦?达罗古城遗址就出土了舞女的雕像;雅利安人进人印度后，舞蹈成为宗教仪式和生活内容的不可或缺的部分。例如，节日庆典、结婚、人的出生、乔迁新居、播种、收获等都以舞蹈来表情达意,欢庆生活中的种种喜悦。在《梨俱吠陀》中就有人们以舞蹈来取悦于神的诗句;从早期佛教到中世纪印度教的雕刻和壁画中就可以看到大量的舞蹈造型艺术。在南印度的西当巴朗（Cidambaram)舞王湿婆神
殿的墙壁上，就刻有122幅健舞的姿式，它们相当于古代的舞谱，是南印度舞蹈所制定的标准动作或规范。印度教的三大神之一的湿婆就被人们尊崇为“舞蹈之王”，他以舞蹈来创造或毁灭世界，以他各种形态的舞姿造型的雕像至今都极为普遍。在古梵文的典籍中有著名的《舞论》，它专门探讨戏剧的结构和舞蹈表演中的表情与韵律。在当代印度舞台上居领导地位的、也是最受人们欢迎的古典舞蹈形式是泰米尔纳杜邦的婆罗多舞（BharataNatyam)、奥里萨邦的奥蒂西舞(Odissi)、嘻拉拉邦的卡塔卡利舞（Kathakali)、安得哈拉邦的库奇普第舞（Kuchipudi)、拉克和齐浦尔邦的卡塔克（Kathak〉舞、曼尼普尔的曼尼普利舞（Mannipuri)等。此外，其他还有各种各样的民间舞蹈共同展现出印度发达的舞蹈艺术。印度舞蹈有两个突出的美学特点。
第一,宗教的象征性。印度神庙中的舞蹈雕刻是凝固的姿态艺术。但在古代,印度寺庙里确实存在过在宗教仪式中专门用来娱神的舞蹈女。她们是最早的舞蹈艺术家。在古代的宗教仪式中，诗与歌、歌与舞蹈融为一体。因此，舞蹈同诗、歌一样是宗教崇拜的神圣的形式。这些舞蹈不仅仅是为了展露美丽的肉体和迷人的姿态，而主要是模仿神的创造世界与毁灭世界的过程;模仿神的神奇的动态和优美的身姿；模仿宇宙生命的颤动和生命的节奏和韵律。在这种舞蹈中，舞蹈者身体的每一个动作、手、臂、腿、脚、身肢、眼神都要表达出特定的神性的象征性的含义。20世纪印度著名的舞蹈家印德拉尼?拉赫曼就是这种“神舞”的表演家并贏得了世界性声誉。古代印度民族在农耕和狩猎等生产劳动中、在宗教仪式中就积累了大量的关于手势语、形体语和眼神语等等表情达意的方法和语言形式，这些形式逐渐凝固下来，成为本民族通用的或都能够理解的一种特殊形式的语言。这些特殊的语言符号为造型艺术提供了丰富的肢体语汇，并在造型艺术中凝固下来，保存至今。例如佛教就有分类非常细致的“手印”（手语）和坐、立等形体姿态语言，其中著名的有“无畏印”、“施与印”、“召唤印”、“拈花相”、“智慧印”、“指针印”等。中世纪时，印度教发展了手语、眼神语和形体语传统，更加广泛而细腻地对这种语言加以分类,赋予它们更充分的表达力。可以说，印度舞蹈把人的肉体动态之美表现得淋漓尽致,使人的肢体成为最美和最自由的形式，尤其是双手的无穷变化，使它们成为肉体的花朵。这种丰富的、多种多样的肢体语言，不仅超越了人类对有声语言的依赖，而且其表达能力甚至可以不借助音乐、诗歌而传情达意。正因此，导致了印度舞蹈语汇的象征性、含蓄性，使其更具有情味、滋味,更富于言外之意。
第二，叙事性。印度舞蹈产生于民众的生活中，发展于宗教活动中，这就决定了印度舞蹈所表现的主题与题材的叙事性特点。印度舞蹈表现的题材大多数为神话、传说中的经典故事或其中的片断。大史诗《罗摩衍那》、《摩诃婆罗多》以及黑天的爱情故事是印度舞蹈取之不尽的题材。史诗曲折的充满情味的故事情节也就决定了舞蹈表演的叙事性特点。在印度舞蹈的基本形式中，有一种叫做“努意雅”(nryttya)的舞蹈就是对主题做出直接的陈述;另一种叫做“哈斯塔斯”(hastas)的舞蹈其特点是:舞蹈者的每一个动作或手势都代表一句话，一个字或一种观念。这些手势、姿态、眼神和肢体形态同音乐结合在一起,就形成了一种叙述性的“语言”。人们在观赏过程中，可以从舞蹈者的指尖中看出“话语”，从舞蹈者的凝眸微笑中领悟到某种特定的情感信息。著名的“卡达卡利舞”就是叙述《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》和《往事书》故事的舞蹈。
印度舞蹈的上述特点与印度古典美学思想有高度的一致性，它以表现“情味”为艺术目的，以宣扬宗教精神为己任,在舞蹈者不断的形体变换中，在丰富复杂的音乐节奏的转换中，让人们去领悟到宇宙生命和人的生命的脉搏所产生的共振，由此达到梵我同一的理想境界。
音乐的论文2
所谓音乐传播，就是把现代社会中的关于音乐的信息进行传递与推广运行的一个阶段，它是音乐文化传播中不可或缺的一部分。而学校中的音乐课程是学生最早接触到的音乐传播方式，它作为学生的音乐人生的启蒙点，更可以看出其重要性。而现实音乐教学过程中，总是有许多矛盾充斥其中。比如，教师在学习音乐课程的引导中与音乐自身的性质产生冲突；由于年龄和阅历的不同，使得教师和学生对音乐产生分歧，对音乐的理解和获取渠道大相径庭……而音乐教学形式和其它课堂教学一样的模式，使音乐课堂枯燥无味，无法充分发挥其音乐课堂作用，还有音乐教学中对音乐的分类以及定义比较模糊，不能从根本上进行分门别类，导致各类音乐中所含的文化特点无法充分表现出来。然而，只有合理的传播才有更恰当的教学形式，所以，提高音乐教学的有效性从根本上还是要从音乐传播的视野来定夺。
一、合理设计学前教程
学前的课程设计对于提高音乐教学来讲是重要的第一步，只有学前的课程设计更加合理、可行，才可以激发学生的学习兴趣，从而提高音乐课堂的质量和效率。
（一）课前设计要有效。只有有效的课前设计，才能使课堂更加有效，而无效或者低效的课前设计，对于教学而言，那就是无用功，不可以称为效设计。现在的学生获取音乐知识内容的途径不似以前那样单一，所以现在的学生不似以前的学生那样如一张白纸，学生本身对于课程或者内容知识已经掌握了一定的基础，所以，教师为提高课堂效率，必须在学生掌握知识的基础上设计出更高的教学目标，以此更加培育学生的音乐素养，使课堂效率得到有效提高。
（二）让音乐走进学生生活。音乐在生活中无处不在。所以，设计更贴近日常生活的学习场景，不仅使课堂气氛更加的轻松与活跃，更可以激发起学生的积极性。想要改变教室不太容易，可是，改变教师的服饰或者动作是比较可行的办法，教师可以将教室设计也适合于音乐教学的不同风格，使学习产生浓厚的好奇心理，主动愿意到音乐的课程中进行探索和研究。这样，不仅可以提高学生主动参与学习的积极性，也可以加深学生对音乐内容更深层次的挖掘。
（三）学生主导的课堂教学模式。教师可以根据学生对音乐的审美观来设计适合其学习的教学模式，使音乐学习与兴趣爱好之间产生平衡，拉近学生与课程之间的距离，从而为更好的音乐知识内容掌握奠定基础。
二、通过多种形式来感受音乐的魅力
音乐的主要感受器官是耳朵，通过强烈的听觉冲击力来感受音乐所带来的喜悦、悲伤、哀愁、欢快等情绪，而音乐影像中所精心设计的服饰或者场景，是音乐最直接的表现者，更可以加深听者对音乐的欣赏能力。所以，既可以单独的闭着眼睛来感受音乐的宁静与安详，也可以从视觉、听觉来全面欣赏独属于音乐的无限魅力。
例如：蒙古族中有一种音乐形式，叫“呼麦”，它独特的音色是听觉的一场饕餮盛宴；而非洲的音乐，穿着着鲜艳服饰和节奏感极强的舞蹈，加上密集的`鼓声，它就是视觉与听觉的完美结合，使我们都会不自觉的晃动起来。这些音乐所带来的冲击力，既可以吸引学生的集中注意力，又可以提高音乐课堂的有效性，何乐而不为？！
三、重复与留白
（一）学习大多都建立在重复的基础上，音乐也不例外。只有经常性的反复记忆才可以使知识内容刻印在脑海里。而重复同一件事，同样的学习方法学生总觉得会枯燥无趣，这就需要教师在重复巩固内容的方式上有所不同，让学生每次巩固时都以另外一种新型的学习方式来重复学习知识，这样更加可以提高学生对音乐学习的兴趣。
（二）适当的“留白”。我们都知道，“满则溢”的道理，所以，在课堂教学中留下思索的余地，既可以使学生对内容更加的深入了解，也可以激发出学生主动学习的积极性，一举两得。
四、做到有效评价
对于教育来说，适当有效的积极评价更能激发起学生的积极性。在音乐教学过程中，教师在音乐课堂上对学生适当的评价，不仅可以提高学生的主动参与积极性，而且可以树立起学生在音乐方面的自信心。教师可以根据学生及课堂表现情况制定出一套完整适用于自己学生的评价方案，以此有激励学生对音乐课堂的浓厚兴趣。比如说，教师可以在音乐传播过程中让学生对音乐进行评价；或者让学生自己对音乐的认识进行自我评价，或对同学的音乐欣赏进行评价；又比如说，让学生对教师的教学方式来进行点评。总之，这一系列的评价都必须有效，只有做到有效评价，才更有利于音乐传播。
总之，有效音乐教学是未来音乐教育发展的重要过程。为实现有效音乐教学的目的，教师及社会各界应该进行全面的支持与鼓励，充分调动一切可利用的资源，以此来减少音乐课堂教学中所出现的各类问题，将负面影响降到最小值，以此来提高学校中音乐教学的效率和质量，为学生营造出更好的音乐学习环境。
音乐的论文3
在当今各类时尚元素均跃跃欲试涌动着的大潮中，音乐作为一个一直盛行着且不可被替代的因素也对多元化人才的培养起着莫大的作用，音乐方面的教育也成为我国多面教育的重点。对于学习众多分支组成的整体音乐，主要是在对学生进行本土民族音乐学习的基础上，学习并尊重其他民族的音乐，这样在保证同学学习质量的基础上，更能渗透给学生更多方面的相关知识，促进学生更好、更全面地发展。
一、多元文化环境下的音乐教育理念
多元文化环境下的音乐教育，是一种取各方之长，弃原本之短的更加适合当代音乐产业发展的教育理念。其主张在整个音乐教育的大范围之中，同时解除对其他民族音乐类型的抵制感，培养学生掌握多类型音乐的能力，使其真切感受到多元文化环境下面音乐时作为共体所存在着的，同时这样积极、开放的环境还可以使得学生在自由的环境中间看到并发展适合自身的音乐类型，更可以提高自身对于学习音乐的积极性，理解和掌握到其中优秀、积极的内容，并融入到自身的音乐理念当中。
二、多元音乐文化背景下的中学音乐教育
好像在人们的固有印象当中，中学阶段音乐课就是教授同学们唱歌的课程，而老师们的授课方式也往往迎合着这样的想法。而仔细看来，当代背景下面的多元音乐是欣赏、创作与学习并存的，而教师应当在课程中间更加强调出来音乐整体赏析能力，引导学生对于音乐世界的全面了解。单纯的歌唱方式或者相关技能的单一传授会在一定范围当中制约同学们的理解与灵感激发，这样的教学环境也会使得音乐课堂缺少活跃的氛围。其中有关于民族方面的学习也应当引起老师和同学们的重视，西洋乐是很符合当代音乐发展规律，但是很多音乐韵律及谱写思路均是来源于各民族最原本的音乐本质的。此外对于音乐乐器的学习也可使得同学们更快掌握音乐学习的套路，至于乐器的选择，大可以古代、近代、现代并重，毕竟多元音乐文化环境带给我们的是更多随性和个性的发展。
1、传统音乐教学
我国是一个多民族融合的国家，五十六个民族决定了在文化构成方面，我们是多元化发生并兼容着共同发展的。理所当然第一步便是理解本民族的音乐文化，提高同学们对自身民族音乐文化的领悟力，这样的意识可以在教学课堂以及教学实践当中逐渐培养。比如藏族、蒙古族、维吾尔族等个民族的乐器、流传下来的音乐圣典、独特演奏方式等都是我们自然感兴趣并且愿意理解甚至经过学习可以掌握的地方。形象与音质的演奏往往是最吸引同学们的所在，它们在不断变更着的历史的长流当中被存留下来成为我们都敬仰着的民族感非常强烈的珍贵之物，当然值得我们视若珍宝反复学习并在其中感受到多元文化发展对于音乐方面的影响。当然，蕴于其中的民族自豪感更是会自然而然地产生。除此之外，在多元文化视角下的中学音乐教育要尊重学生在教学过程中所处的地位，将学生作为教学的主体，在课堂教学中，鼓励学生自发进行音乐学习，以主观的角度学习音乐，最大视角发挥自身对于音乐的敏感性。
2、融合本土音乐因素的教学
本土音乐的定义同本土人是一样的，指的是融合于当地居民日常与历史。在其中不断相互融合并发生发展起来的，独具当地风土人情气息的音乐，它融于人们的生活，也能诠释相关一起发展着的历史内容，是整个地区的精神表达。在教育教学当中，采用融合本土音乐因素的教学模式，不仅可以帮助血神对本土音乐有一个更加倾向专业方面的认知，更是课堂、提高同学情商提升学生的本土意识的大好方式。
3、贯穿世界音乐范围的教学
音乐的学习范围与内容是广泛并且宽度与深度并存的。世界范围内的音乐学习同样也是世界各地民族与当地各类型音乐的整合体。就目前我国中学音乐教学而言，教学内容主要是在对本民族音乐进行学习的基础上进行对西方音乐的鉴赏，其中缺乏的是世界更多其他民族音乐的类型也理论，在当代多元教育的体系当中应当上面应当加强对世界不同民族音乐的学习，使得学生可以对世界不同民族音乐有一个更为全面和深刻的学习和理解，这样同学才能以自己的眼睛和对声音的.判定真切感受到音乐的多元化和差异化。当然，应用于其中的方式方法我们大可运用越来越方便的网络技术，来引领同学们以最直观的方式感受到，这样不仅是帮助同学们拓宽对于音乐界面的了解，也包含着不同文化背景下面的一切风土人情。
三、在多元音乐环境下进行音乐教育的意义
对于国内而言，我国本身就是融合多民族共同发展的本质;同样放眼世界，我们面对着的同样是各类文化、音乐、生活场景并存着的状态，所以对于在多元音乐环境下面开展音乐教育是符合我们自身程度又能走上更高台阶的方式。在其中建立的同学们的有关于音乐的审美情趣也是不分国家与民族的。多元音乐文化建立的最终目标在于帮助学生建立一种音乐上的开放视野，这将是让音乐永葆活力、长盛不衰的不竭动力。要真正建立多元音乐文化，打破常规的呆板教学模式是必经之途，在此会经历各种艰辛阻挠也是无可厚非的，所以，一定要有坚定的信念，来促使我国中学音乐在多元音乐文化背景下的发展。四、总结在中学音乐教学之中，要融合国内外、各民族的有关于音乐方面的精彩所在，再多元化、多文化的音乐教育背景下面开阔眼界并且找到适合自身发展的音乐道路，进而有利于我国中学音乐教育的良性发展。
参考文献
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音乐的论文4
一、对中等职业学校钢琴音乐教学现状的概述
随着经济的不断发展, 社会的不断进步, 国家的不断建设, 中高级技术人才越来越被大家所需要。在社会招聘中, 中高级技术人才供不应求, 因此中等职业教育已经成为教育界的重要组成部分, 越来越多地为社会输送着一批又一批的人才。但是在目前看来, 社会普遍都只重视中等职业学校的文化课教学, 却忽视了音乐钢琴方面的教育。传统的教育方式已经不足以适应当今社会就业的需求, 中等职业学校应该积极响应国家的号召, 改革教育方式, 培养出适应社会发展的新型人才。而音乐钢琴教学作为中等职业学校的一门学科, 任课老师们不仅肩负着教书的责任,更肩负着育人的重大使命。
二、对中等职业学校钢琴音乐教学问题的分析
(一) 对教育对客体——学生的分析
要做好教育, 首先要了解学生, 这样才能事半功倍,取得良好的效果。首先, 我觉得中等职业学校关于音乐钢琴的教育应该从学生入学时的文化素质、思想素质、专业素质入手, 切实了解每个学生对于音乐和钢琴的认知、学习态度, 以及未来希望自己如何去发展个人的爱好。让他们能够真正融入到音乐的学习中, 用心去感受音乐带给他们的美好。
(二) 对教育主体——教师的分析
中等职业学校中钢琴音乐的教育不同于其他方面的教育, 它不仅需要学生在声、音、思、情、感等方面配合,同时也需要我们的老师付出一定的努力。在教学过程中,老师可以讲一些音乐家不怕困难努力奋斗的事迹, 以此来激励学生奋发向上。例如, 听贝多芬的交响曲的同时, 老师可以讲授一下贝多芬的事迹, 让学生感受贝多芬不惧困难, 顽强地同命运做斗争的生命历程, 了解贝多芬的优秀品质, 激发起学生昂扬的斗志与不屈的精神, 也使他们树立正确的人生观和价值观, 成为对社会对国家有用的栋梁之才。
( 三) 对教学环节的分析
新时期的人才不仅要学习能力超强, 而且还要有健康的心理素质和创新精神, 做到可全面持续发展。中等职业教育对于钢琴音乐的教学虽然也在不断创新, 但是在教学的内容、方法、形式、教材等诸多方面还存在严重的缺陷,不能很好地让学生了解音乐, 感受音乐。在教学手段的使用上, 也比较拘于传统, 如不能很好地利用PPT 或者是多媒体这些现代化设施, 这就难以调动学生的兴趣, 影响了教学效果, 也阻碍了学生的全面发展。
三、对中等职业学校钢琴音乐教学的几点建议
(一) 用现代的教学理念来指导钢琴音乐教育
例如在教学中, 老师可以用PPT 将音乐作品的作者和背景资料介绍给学生, 让学生在听音乐的同时, 能更真切地了解作者的创作心理, 对于音乐产生更深层次的理解。一些音乐欣赏课可以适当增加多媒体的配合, 让学生在欣赏音乐的同时, 通过视频短片, 对历史、对社会、对文化有更深入的了解, 可以调节课堂气氛, 让学生喜欢上钢琴音乐这门教育。
(二) 不能让音乐钢琴教育作为中等职业学校的一门教育课程的补充
中等职业学校的学生正处于青春期, 还不得不面对巨大的生活、学习等压力, 此时更需要老师来引导他们应该怎么面对生活, 怎么做人, 做事, 等等。老师在给学生授课的时候, 切不可认为钢琴音乐课就是其他专业课程的一种补充, 是无关紧要的., 抱着混日子的态度给学生上课。要明确钢琴音乐课对于学生来说, 是同样重要的一门文化课程, 教师在课程的教学中, 不仅在传授音乐专业知识,更是在培养学生的专业素养, 完成重要的德育教育。
四、结语
钢琴音乐教学在整个中等职业教育乃至整个教育界,都占据着举足轻重的重要地位。首先它是所有艺术教育的中间环节, 它不仅能为社会输送音乐方面的人才, 并且也为学生继续学习音乐起到很好的铺垫作用。其次, 这门课程对于学生性格的形成, 以及培养学生的创新精神和审美情趣, 树立正确的人生观、价值观, 使他们勇于面对生活挑战, 乐观地生活等都具有非常重要的作用。综上所述,我们应该认真对待中等职业学校的音乐钢琴教学。
音乐的论文5
【摘 要】宋代是我国历史发展中传承盛唐繁荣文化的重要时期，也是城市世俗音乐从兴起走向顶峰的重要时期。本文将结合当时的社会环境和背景，通过对北宋汴梁地区的世俗音乐状况及南宋临安的宫廷音乐机构和城市音乐的繁荣等方面进行系统分析，论述宋代世俗音乐的发展状况。
【关键词】宋代 世俗音乐 发展
一、宋代城市世俗音乐发展的特征
1。宫廷转向世俗
公元960年，后周赵匡胤发动“陈桥兵变”，代周而起，建都汴京（也就是后来所说的汴梁），结束了唐代以来长期混乱的局面。在北宋统治的160多年间，虽然边境战事不息，但国内相对承平，生产迅速恢复，经济得到发展，工商业空前繁荣，城市随之而兴盛。由于商品经济的发展和城市人口的增加，市民阶层形成一股强大的社会力量。音乐文化的重心，从隋唐的宫廷音乐转向了世俗的民间的市民音乐。
教坊——本是唐朝宫廷最重要的音乐机构。在宋初的时候继续沿用了这一制度。北宋时期，宫廷把南方的优秀乐工集中到汴京，使教坊成为音乐人才荟萃之地，艺人云集。与唐代不同的是，北宋的教坊隶属于宣徽院，由教纺使管辖。教纺使以下，还设有副使，判官，都色长，色长，高班及都知等。教坊乐工的主要职责，是在宫廷宴飨时表演音乐歌舞，特别是逢年过节，音乐歌舞的场面就更为壮观。宋初的大型宴会有19个段落，各个段落都有不同的表演。但到北宋的末年，随着民间音乐的勃兴，教坊与钧容直已逐渐衰落，在宋徽宗的生日当天，宫廷里开始有了民间“勾栏”里艺人表演的杂剧的节目。以此表明，北宋后期音乐已经由宫廷转向世俗。
“靖康之难”标志着北宋的覆灭。公元1127年，赵构即位与南京应天府（今河南商丘），后在临安（北宋时的杭州）建都，史称南宋。随着宋王室的南迁，也造成了科学文化的大规模南移，促进了南方科学技术的进步。城市更加兴盛，工商业更加繁荣，音乐文化循着向世俗音乐的新方向得到更大的发展。因而南宋时期世俗音乐发展更加迅速繁盛。
南宋宫廷虽然仍旧保留了教坊的旧名，但实际机构是不存在了，需要时由修内司教乐所临时召集一批乐工进行短期的练习，临时客串一下。这些应召来的乐工，有的是在德寿宫充“使臣”的旧教坊的乐工，有的是调在临安府衙前乐的酒教坊乐工，有的是钧容直的乐工，其余的就是包括“路歧人”（多半是来自农村的破产农民，他们在失去土地后不得不靠卖艺来维持最低的生活。）在内的民间艺人，总称“和顾”。
2。贵族转向平民
唐代市民的文化娱乐场所主要在寺院内，到了宋代，则因商业城市的发展，在大城市中出现了大批的独立游艺活动场所，由于市民音乐迅速发展，使宋代音乐文化出现了巨大的转折。宋代商品经济的繁荣，一方面为市民的文化娱乐消遣提供了经济来源，另一方面繁忙的商品活动如果没有文化娱乐的精神调剂也是不可想象的。为了适应这种形式，一种新型的固定娱乐场所——“瓦子”和“勾栏”便应用而生了。“瓦子”——宋代城市中的商品交易。亦称作“瓦市”或“瓦舍”。瓦舍是集商业与娱乐为一体的商业场所。
瓦子中设有专门从事各种民间技艺表演的场所“勾栏”和“乐棚”。北宋都朝汴梁的几个“瓦子”中，有“勾栏”50余座，其中最大的可容纳数千观众。勾栏主要用演出或者说唱，其功能相当于今天的戏院。因为其建筑的栏杆上刻有花纹，相互勾连，所以称“勾栏”。它们大多以“棚”为单位，有“牡丹棚”“象棚”等名称，起规模大小不一，大的可容纳几千观众，在“勾栏”中表演的艺人，地位较高。而且另一方面“瓦子”“勾栏”和宫廷保持着极为密切的关系，一方面它们受宫廷管辖，“瓦子”“勾栏”的艺人常到宫廷演出，另一方面宫廷艺人也经常到“瓦子”“勾栏”中现艺。 作为一种影响极为广泛的大众娱乐场所，“瓦子”吸引了市民、文人士大夫、富豪子弟以及大量的城市流动人口等多方面的观众。瓦子中的市民阶层主要是由手工业者和小商小贩们组成的，伴随着工商业的发展，逐渐形成一股强大的力量。他们有较为固定的经济收入，也有一定的闲暇时间，更有精神娱乐的需求。因为，市民阶层是瓦子中最有力，最基础的观众。“瓦子”“勾栏”是固定的演出场所，这就决定了瓦子音乐艺术的职业化特点和艺术形式的多样性，同时也使艺人之间的分工更为细密，并逐步趋向专业化。不管刮风下雨，不论寒冬酷暑，“瓦子”“勾栏”每天都进行演出活动，丰富多彩的演出节目和精湛的表演技艺吸引着众多的观众。
宋代市民音乐活动场所除“瓦子”“勾栏”外，茶坊、酒肆、酒歌以及寺庙中的音乐活动也很活跃。茶坊和酒肆并非专为音乐活动而设，但为了招揽顾客，其中均有经常性的音乐表演活动。尤其是汴梁城内，“新声巧笑与柳陌花蘅，按管调弦于茶坊酒肆”。可见当时茶坊酒肆中的音乐活动在城镇的娱乐生活中占有十分重要的地位。
由于市民音乐的繁荣发展，自南宋起就已经出现了很多民间艺人的专门行会组织“书会”“社会”。“书会”是指专为说话人，戏剧演员编写话本和脚本的.行会组织。参加“书会”的文人，有的是因科场失意，怀才不遇，有的是医生，商人，在业余从事脚本的写作。书会成员称“先生”或称“才人”。南宋著名的“书会”有武林（即临安）书会。“社会”是专门从事表演艺术的职业艺人组成的行会组织。每个社会起码有一百多个艺人，最多的竟达三百多人。社会里的艺人除了节期及其他的临时性演出以外，主要在“瓦子”“勾栏”里进行定期的表演，他们的社会地位比平常只能在酒楼，茶肆卖艺的“赶趁人”（江湖流浪艺人）来说都要高一些。
南宋末期，由于市民音乐的繁荣崛起，宫廷音乐已经黯然失色，在加上当时的社会政治，使得南宋统治者没有那么多闲情逸致去发展教坊，所以宫廷教坊时置时废，在宫廷需要大型演出或者举办宴会时，就由宫廷出资招募“勾栏”艺人为宫廷表演。同时，宫廷乐工也经常到“瓦子”中进行表演。“勾栏”艺人与宫廷乐工之间的交流表演对“瓦舍”技艺的提高起了很大作用。
二、宋代城市世俗音乐的影响
两宋时期，社会经济的发达促进了城市世俗音乐的发展，城镇中繁荣的瓦舍、勾栏、茶坊、酒肆等固定的演出场所，以及艺人们的专业化表演，标志着我国历史上市民音乐的发展进入到前所未有的新的历史时期。社会音乐生活更加普及，音乐的技术水平得到进一步提高，并为以后音乐艺术的发展奠定了坚实的基础，不光影响了两宋时期音乐的创新与发展，而且由于世俗音乐的繁荣，使宋元音乐出现了巨大的转折。就音乐形式来说——我国最具代表性的音乐形式由歌舞转向了戏曲。戏曲艺术的确立与发展，标志着我国民族传统音乐步入一个新的阶段。这是我国音乐文化发展史上的又一高峰。
宋代世俗的音乐发展始终标志着我国古代音乐的进步与发展，就音乐形式而言，宋代音乐文化的重心从了唐代的宫廷音乐转向了世俗的，民间的市民音乐。就音乐的性质而言，我国音乐的主流由宫廷转向民间，由贵族化转向平民化。这是我国历史上文化艺术的一个重大的转折点。
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舞蹈与音乐在旋律上的联系就在于舞蹈的旋律是音乐旋律的具体内容。例如，体育课中活力四射的韵律操，蒙古舞中铿锵有力的马步舞旋律动作，傣族舞中轻柔优雅的孔雀舞旋律动作。也许最让大家难以忘却的就是2008年奥运会开幕式中的《画卷》舞蹈。
舞蹈演员用肢体完美的配合演绎出中国博大精深的书画艺术。其中的每个动作都与音乐中悠扬的旋律完美结合。舞蹈与音乐除了在节奏、旋律上的联系外，还在段落安排、组合逻辑、美学抒情以及思维逻辑上有所联系，他们之间有着千丝万缕的关联。
音乐需要舞蹈的表现。音乐是时间、听觉的艺术，音乐往往需要舞蹈将其内涵表现出来。舞蹈用重复、变化、展开等手法表现出音乐的重复和主题，烘托出音乐的主题。例如，舞蹈《路灯下》，舞蹈演员的每一次爆发性、跳跃性的动作和呐喊都衬托出音乐的高潮点，让观众的情绪随之牵动，达到视觉、听觉全方位的效果。舞蹈演员在表演时将自己与音乐融为一体，将自己的肢体语言化着音符表现在观众眼前。
再如，福金编创的芭蕾舞《天鹅之死》，舞蹈演员运用饱含情感的双臂、面部表情及其他肢体语言生动地展现了天鹅在垂死前奋力求生的情境。伴随着音乐节奏的手臂颤抖、脚尖离地的碎步漂浮、低垂的头部和面部表情以及整个身躯都表现出一副痛苦挣扎的感受，都烘托出梦幻如诉的音乐。舞蹈需要音乐的激发。
音乐有着渗透人心的特点，可以引起欣赏者的`感情共鸣，可以直接打动观众的感情。曾经有位舞蹈家说过他在扮演舞蹈中角色之前都是以音乐为“起点”，让自己对音乐的感受和理解激发内心的感情，并且他还说过，好的音乐就是在对自己“指示舞蹈动作的表情和意义”。同样，我们还是以舞蹈《路灯下》为例，舞蹈中利用纯音乐中穿插电影原声的人物对白激发情感。
运用电影《谁说我不在乎》的人物原音激发演员与观众的情感，使得他们很快进入舞蹈情节中，体会那种即将失去温馨家庭与父母关爱的心情。舞蹈演员通过音乐传递出来的感情将自己幻化为故事中的小女孩更真实、动人地演绎出舞蹈的精髓，观众也在通过视觉欣赏的同时，从听觉方面感受舞蹈中酸楚的情感，将舞蹈由“无声”变为“有声”。再如，舞蹈剧《好大的风》中，用音乐模拟刮风的效果，把观众带入故事氛围中。
同样在剧中，利用唢呐的演奏将舞蹈推向高潮。音乐与舞蹈有着不可分割的关系，只有处理好两者的关系，才能提升对舞蹈作品的演绎。然而，目前高校舞蹈专业的音乐课时却十分有限，教师在教学过程中不宜采用纯生理训练，而是要加强学生对艺术表现力的培养，深化学生对舞蹈乃至音乐艺术的认知。
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一、“中学为体”。
世界上任何一种文化，一定的民族的基础上产生的，因此任何一种文化都有它产生的原因和自身的价值。二胡，就是一件深具中国民族特色的典型乐器，可以说它是我国民族乐器的代表之一，它纯净的音质，浑厚、悠扬、如泣如诉的音色，特有的装饰音指法所形成的运腔，使得它在音乐表现力上独具韵味。二胡只用两根弦演奏，缺少低音，但长期以来，人们用低翻高的演奏技法，反而使二胡具有了特殊的音乐表现力。例如由著名的民间音乐家阿炳创作、演奏的.《二泉映月》，可以说是二胡乐曲中最具代表性的精品。乐曲由作者在长年流浪卖艺的生活中不断演奏、加工而成。它既没有炫技式的复杂的演奏技法，也没有掺入西方复杂的音乐元素，而是以独具民族特色简练的创作手法，动人的旋律，加之二胡独具特色的音色，使得无论是著名演奏家，还是二胡业余爱好者，无不对此作品情有独钟，满怀深情地进行演奏。可见，作品本身具有着无尽的艺术魅力是多么的重要。这样典型性的艺术极品，就是由于其将中国音乐的精神扎根于心，充分展示了中国民族音乐的特色，才能为广大人民群众所接受，才能代代相传，历久弥新。所以我们谈二胡的改革与发展就不能脱离了二胡的传统特色，如果一味照搬西洋音乐，抛弃了二胡的民族性特色，就无异于无源之水，难以为继。
二、“西学为用”。
在不丢失二胡演奏民族性特色的前提下，借鉴吸收西方音乐的演奏方法与创作技巧，与时俱进，洋为中用。世界各民族、各地区的文化是相互融合、相互渗透、共同发展的。同样在二胡艺术的发展中也遵循着这样的发展规律。早在20世纪20年代，我国著名的民族音乐家、二胡演奏家刘天华就提出了中西调和的观点，他说：“一国的文化，也断然不能抄袭些别人的皮毛以算数……也不能死守老法，固执己见可以算数。必须一方面采取本国固有的精粹，一方面容纳外来的潮流，从东西的调和与合作之中，打出一条新路来。”刘天华在自己的音乐实践中，也是这么做的。比如其创作的二胡曲《光明行》，乐曲在采用我国民族音乐传统习用的循环变奏结构基础上，大胆采用西方复三部曲式。但是，乐曲主题的写作却不像西方写作惯例那样，以呈示部A段主题来形成全曲，而是采用呈示部B段主题加以变奏来发展中部和结束部，从而使音乐在保留民族特色的同时又展现出了中西调和的新意。我们借鉴吸收西方的音乐元素，其根本目标就是拓展和丰富二胡的乐曲创作及演奏技巧，使得二胡的表现力更为丰富，从而使二胡能够走向国际，为世界人民所接受。音乐是无国界的，音乐间的相互融合与借鉴并不是要改变二胡本身的特点，反而是要更加突出二胡的特点，所以立足于传统、兼收并蓄才是二胡在民族音乐现代化进程中应走之路。
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摘要：我国高校舞蹈训练的主要目的是提高学生的身体素质，使学生得到足够的锻炼。它在一定程度上可以塑造学生的体质，使学生具有良好的身体协调能力。在初中音乐教学中加入舞蹈形体训练课程可以培养学生全面发展能力。在音乐课教学中，舞蹈形体的训练非常重要，可以提高学生对舞蹈与音乐关系的认识，提高学生的综合素质使学生更好地融合音乐和舞蹈，因此本文主要开展对高校舞蹈形体的训练技巧和细节进行分析，为相关研究提供参考。
关键词：舞蹈形体训练；初中音乐教学；实践；思考
舞蹈形式训练是指学校在美育中为学生提供的舞蹈活动和舞蹈课程。世界各地的音乐学校都重视学生的审美教育，把舞蹈形式作为必修课或选修课，而在初中音乐教学中设置舞蹈形体训练，是必须为音乐教学增添的一个课程，所有学生必须接受基本的音乐舞蹈形式的训练。根据社会对高质量人才的综合素质、创新精神和创新能力的教育政策，培养具备音乐能力的高素质、复合型人才，是中学音乐教育的主要目的。
一、音乐课教学中形体训练的特点
（一）音乐与舞蹈的关系。音乐与舞蹈的关系十分密切，例如在中国古代，一些文献资料的记载显示音乐与舞蹈的表现形式都是在一起的，方式是分不开的。今天我们观看了许多舞蹈表演，有音乐伴奏、舞蹈表演和音乐表演中，从更深角度分析，最原始的音乐形式是舞蹈。
（二）音乐专业学生缺乏舞蹈基础。总结近几年我国音乐教学的.发展形式，教学往往是从初中开始的，这些初中学生往往没有进行过专业的舞蹈训。由于我国传统教学形式的影响，中小学生都缺乏专业的舞蹈和音乐教育，他们自己的条件较差，所以对学生初中音乐教学进行舞蹈形式的训练非常重要。根据在学生舞蹈基础薄弱的情况下，教师在教学过程中必须循序渐进开展教学，分析学生心理，更好地激发学生的舞蹈能力，提高学生训练的积极性。同时，教师要善于发现学生的优点，并充分发挥他们的优势，在音乐教学中提高学生身体运动的极限，在教育过程中更好地挖掘学生能力，全面锻炼学生的能力和舞蹈形体。
（三）舞蹈形体训练对学生的积极影响。一些音乐家、舞蹈家都是在小时候接受过专业的音乐和舞蹈教育。许多学生学习都很努力，成绩不错，基本上具备了各种技能的表现能力，这样就会不断提高学生的自信，但在一些节目表演中，大多数学生看到台下坐满了观众，都会出现紧张的情况，瞬间忘记了自己平时所学习的各种登台表演技巧，甚至最紧张的时候连一句台词都说不出来。患有一些学生在登台表演的时候，肢体比较僵硬，显得不自然，有拘束感，舞蹈形体和音乐节奏搭配不上，这便影响到学生的表现力，更严重的甚至会打击学生的自信心，因此，为了从根本上解决这些问题，提高学生的自信心，在初中音乐教学中加入舞蹈形体训练，不仅可以提高学生的审美力，同时还可以帮助学生理解和掌握形体训练的基本知识，熟记上台表演的形体要领，充分发挥表演的才能，从而登台表演更急流畅，增强自信心。
二、舞蹈形体训练对音乐学专业的作用
（一）舞蹈形体训练促进学生掌握歌唱姿势。舞蹈形体训练可以帮助学生更好的掌握唱歌的姿态，同时还需要保持良好的心理状态，良好的姿态才是歌曲唱好的关键，在初中音乐教学中设置舞蹈形体训练，可以用简单的舞蹈动作来配合唱歌，在训练的过程中，教师一定要分析学生的实际情况，结合表演过程中容易出现的问题，采取有效的措施来因材施教，每个学生之间都存在着不同的差异，通过适合自己的舞蹈形体训练，让学生掌握正确的唱歌方法，这样才能更好地帮助学生释放激情，将最好的表演呈现出来。例如在课堂教学中播放《草原上升起不落的太阳》《青藏高原》《青春舞曲》，可以帮助指导学生发声练习。指导学生有感情的朗诵歌词（注意“字正”才能“腔圆”）教师范唱，并讲解与欣赏版中的不同，指导学生轻声跟唱，指导学生再次连唱歌曲。
（二）形体训练丰富了歌唱表演。在舞台上歌唱它不仅是唱，而且还需要使用某些身体动作来显示歌词的情绪。通常，在教师的教学过程中，不仅要保证歌词的正确性，音乐的形式也增添了表现形式，这对于增强学生的自信心具有重要的作用。
（三）形体训练对提高学生歌唱技能的作用。歌唱表演与形体艺术之间的关系十分微妙，形体艺术是歌唱表演的催化剂，同时有利于表演者在演唱的过程中更好的展现自己的才华，加强与观众之间的沟通，一般受过形体训练的演唱者不仅身体十分协调，同时也更能掌握现场的节奏和气氛。因此在初中音乐教学中展开形体训练，这对于提高学生自我模仿能力十分有必要，只有从小培养学生的表现能力，才能够提高他们对于现场表演的节奏把握，控制舞台气氛，调整自己演唱的呼吸频率。因此我们不难发现，声乐表演与形体表演相结合，这就需要学生不仅要掌握良好的演唱技巧，同时也要具备形体表现能力，形体训练配合音乐，有助于学生掌握空间感觉、运动知觉、之以礼以及表现力。也有助于培养同学们的集体观念及对音乐、舞蹈的兴趣。让同学们了解，形体训练会对同学们的神经系统发生系列刺激，提高中枢神经的均衡性和灵活性。
三、结语
随着素质教育的深入，人们对舞蹈艺术中的情感教育思想产生了巨大的影响。对此，教育界越来越重视，在初中音乐教学中键入舞蹈形体训练，当前，越来越多的教育机构在初中音乐教学中纷纷展开形体训练，同时也更加注重学生会舞蹈能力的培养，加强学生形体训练也可以提高学生的综合素质，在未来的人生中发挥出更多的才能。
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浅谈巧借器乐提升心理素质水平
《国家中长期教育改革和发展规划纲要(21-22年)》指出:坚持以人为本、全面实施素质教育是教育改革发展的战略主题。心理素质是人全面素质的重要组成部分,提升学生的心理素质对全面实施素质教育有着重要的意义。
笔者自25年起在音乐课堂引进电子琴实施课堂器乐教学,对器乐教学提升学生心理素质水平进行了有益的探究,取得了积极的成效。
一、心理素质简述及学生常见的心理问题
1、心理素质简述
人的素质大致划分为生理、心理、社会三方面。心理素质1是素质的核心、是人全面素质中的重要组成部分,任何素质的形成必须建立在心理素质的基础之上。
心理素质包括四个方面的内容:非智力因素、智力与能力因素、心理现状因素和社会适应因素。
2、初中生常见的心理问题及分析
初中生常见的心理问题有厌学、畏难、缺乏自信与毅力、自我认识不足、团队合作能力差等。初中生的心理特征具有不稳定性,学生的好奇心理及学习兴趣持续时间短,容易出现厌学心理。随着学习难度的增加与新鲜感的减退,逐渐产生畏难与放弃等消极心理。加上初中生心智发育尚不成熟,自我认识不足,缺乏自信与毅力。表现为自卑、孤僻、羞愧等不健康心理。又由于多数学生是独生子女,他们常以自我为中心,缺乏自律与团体意识,个性心理突出。
二、巧借器乐,提升心理素质
为了克服学生的不良心理,笔者在教学中巧借器乐,达到提升学生心理素质的目的。器乐教学是提升学生心理素质的极佳途径。器乐学习是“积水成渊、水滴石穿”的过程,能锤炼意志(非智力因素)。器乐学习强调手指训练,有助于思维开发,培养操作能力与创造力(智力与能力因素)。器乐教学中通过开展多种形式的表演活动,能建立自信、认识自我、体验成功(心理现状因素)。器乐教学中通过合奏训练,能培养学生的团体意识及合作能力(社会适应因素)。
1、树立典范,激发兴趣
法国哲学家卢梭说:“对处于初中青春期阶段的学生,问题不在于学各种学问,而在于培养他有爱好学问的兴趣。”
学生在初次接触某种乐器时都充满了好奇心,当他们坐在电子琴前就产生了新鲜感,表现出强烈而迫切的学习欲望,情绪兴奋激动。笔者立即抓住这一心理倾向,有意识地组织学生欣赏名家演奏,或教师亲自范奏,把学生引入艺术的殿堂,领略电子琴的魅力,激发学生对乐器本身及电子琴作品的兴趣,使学生产生“如果我会弹该多好”的遐想,诱发“想学”的欲望。还特别欣赏残疾青少年表演的电子琴独奏录像,学生们感到十分震撼,感慨万分。
为了激发学生学习的积极性与主动性,笔者特别邀请了班里有电子琴弹奏基础且水平较高的学生当众演奏,弹唱大家喜欢的流行歌曲如《真心英雄》、《我和你》等。这使初学的学生羡慕不已,个个情绪高涨,同时也认为学习弹奏电子琴也不是很难,只要自己努力,同样也会演奏的,就此建立了信心。典范的作用,让学生在电子琴学习的过程中,激发了兴趣、点燃了动机。
2、锤炼意志,水滴石穿
学习需要兴趣的点燃,更需要有良好的习惯。良好的习惯是培养学生顽强意志与坚定信念的最佳方法。器乐学习不是一朝一夕的事情,而是“积水成渊、水滴石穿”的过程,教导学生要养成每天练习的习惯。习惯需要意志的支配,一些学生的意志较薄弱,随着乐曲难度的增加与新鲜感的减退,逐渐产生厌倦、畏难、放弃等消极心理。教师就要及时采取有效措施。如加强基本节奏训练、规范指法与手型、先分后合、由慢到快、难点突破,鼓励学生不畏困难,坚持到底。学生通过持之以恒的有效练习,克服了技术困难,形成良好的学习习惯,逐渐磨练出顽强的意志与“不达目标决不放弃”的信念。学生的'非智力因素水平得到有效的提升。
3、启动思维,培养能力
《中小学音乐课程标准》明确提出“重视音乐实践,增强创造意识”这一基本理念。美国音乐教育家詹姆士·L·穆塞尔提出“只要有可能,我们就应当在器乐领域里采取创造性教学的计划程序。”创造需要想象,“创造性的想象是在再现性想象的基础上,对已储存的感知材料进行重新整合,使其突现的心理活动。”
如学习弹奏《月亮河》后,为了表现出乐曲所要表现的情绪意境、情感风格,启发学生展开想象、启动音乐思维,要求学生运用电子琴丰富的音色库,自主决定运用乐器音色,创编与乐曲意境相配的场景音效。学生分组进行讨论,决定怎样表现音乐。有的小组为音乐加上前奏与间奏;有的小组为表现乐曲意境添加微风、蛙声、蝉鸣声及流水声;有的小组添加一点打击乐节奏,为乐曲增添了欢乐的气氛,表现出劳动人们愉快的生活情景;有的小组通过丰富的节奏数据库,设计自动伴奏完成作品的演绎。
学生通过对乐曲的二度、三度创编以及对各音乐要素进行重新整合,丰富了乐曲的音乐形象或创造出新的音乐风格,直接而充分地培养了学生的创造意识,促进了学生感受、创造、表现音乐能力的发展。
电子琴的弹奏其实是多种器官的协调运作与相互作用的过程。眼(识谱)—脑(分析与指挥)—双手(演奏)—耳(聆听)—脑(辨别与感受)。所谓“十指连心”,即大脑指挥手指运动,手指运动反过来刺激大脑中枢。实践证明,学生通过器乐学习和手指训练,其思维、创造力、动手操作能力等智力与能力因素水平得到有效的提升。
在课堂内外搭建多种形式的表演平台。如课堂内的“乐器自由表演”,由学生自选乐器、自选曲目、自由组合,演奏形式不限,可独奏、齐奏、二重奏、自弹自唱、伴奏演唱、创作表演等。又如“班级器乐比赛”,充分利用学生的求胜心理。对优胜的班级,荣誉感可让学生自信倍增,向更高的目标迈进。对落后的班级,及时鼓励学生继续努力不气馁。再如举办“节日音乐会”“小小演奏家”比赛、积极参与市区各级的器乐比赛活动等。
学生抓住了这些演奏的机会,在积极参与中增强了自信、体验了成功,同时也锻炼了心理素质,积累了多次上舞台的经验,从“我不敢”变为“让我弹”;从害怕、紧张到自信、从容充满信心地演奏,消除了自卑、孤僻、羞愧等不健康心理,逐步形成勇于展示自我的良好心态。
通过开展多种形式的表演活动,学生的电子琴演奏水平和心理素质水平得到了同步提升。
4、重视合奏,学会合作
电子琴教学中,通过训练让学生学会合奏,是有一定难度的。合奏训练必需具有共同的纪律约束和共同的目标。每个学生要有具体的分工与协作,需要每个学生步调一致、默契配合,懂得如何协调自己和他人,使演奏达到最佳的效果。
如在学习合奏训练《故乡的亲人》时,学生分成两个声部演奏,每个人都要明确自己弹哪一部分旋律,做到节奏、速度、力度、情绪等音乐要素的和谐统一。在弹奏中哪个乐段要换音色或换伴奏音型,都要分工明确,做到每个人都要心中有数。合奏就是要通过团队的努力协作才能完成。在训练中要克服学生以自我为中心的个性心理,增强自控能力,学会自律与责任感。
国际21世纪教育教学委员会曾在一项报告中指出:“学会共处,是新世纪教育的四大支柱之一”。此处的“共处”,即指人的“合作能力”,它是21世纪人类生存和发展的必备因素。在高度合作与竞争的社会中,只有善于与人合作,才能赢得更多成功的机会。
音乐教师的责任就是要让学生在学习音乐技能与表现音乐的同时,学会与他人沟通交流合作,自觉地摆正个人与集体的位置,加强具有合作意识和团结一致的集体观念。一句话,加强学生合作与责任感,提升社会适应因素水平,是合奏训练教学中最有意义的目标之一。
5、激励评价,认识自我
激励评价能使学生获取自信。心理学家研究表明:每一个人在心理上都有获得肯定与赞赏的需要。如果一个人感到自己是被别人赏识的,就会自然而然地产生愉悦的、自我肯定的感觉。器乐教学中,通过各种激励评价以树立学生的自信心,达到维持和促进学生学习激情的目的。“运用语言艺术激励评价;通过学生的行为激励评价;对自我实现的激励评价;感情激励评价;荣誉和物质激励评价;竞赛性激励评价。这几种评价非常适合我们的课堂教学。”4
经过探究实践,笔者深深地感悟到,实施素质教育,让学生具有优秀的思维品格,成为社会有用之才,就必须让学生拥有健康的心理与良好的心理素质。
无论是器乐教学还是其他领域的音乐教学,或其他学科教学,都应关注学生的心理健康,都应把探究提升学生心理素质水平放在重要位置。若学生心理素质水平提升了,心智得到了健康的发展,学生才会端正学习态度,才会主动去学习探究。其兴趣、自信、创造力、合作能力、社会适应能力等,就会被激发出来。
总之,通过器乐教学促进学生能力发展,提升心理素质水平,是个永远需要探究实践的重要课题。我们一定要持之以恒,坚持下去。
音乐的论文10
“随风潜入夜，润物细无声。”学校音乐教育就是用这种潜移默化的方式。
以它强烈的艺术感染力发挥着独特的育人功能，其作用是不可估量的。从先秦儒家诸子认为“乐教”可以“善民心”、“移风易俗”，到近代中国的有识之土把“歌乐”作为学校教育必不可少的学科之一，都说明了我们的先辈很早就意识到了音乐教育的育人功能。学校音乐教育发展至今，它的育人功能日趋成熟，归纳起来有以下三点：
一、以乐辅德
音乐是情感的艺术，它充分利用鲜明的节奏、优美的旋律、丰富的和声、美妙的音色来表情达意，因而能直接触动学生的情感中枢，震撼学生的心灵，对学生的情感世界、思想情操、道德观念的渗透和影响是很大的。所以，学校音乐教育能以乐辅德。如教唱革命历史歌曲《义勇军进行曲》、《长江之歌》等，能使学生爱憎分明，能唤起他们对敌人的仇恨、对祖国和人民的热爱；教唱叙事歌曲《军民大生产》、《读书朗》、《歌唱二小放牛朗》、《小卫士赖宁》等能激发学生爱劳动、爱学习的热情，能培养学生高尚的道德情操，能规范学生的行为习惯、净化学生的心灵。
二、以乐促智
音乐教育可以促进学生智能的发展，古今中外许多高智能的名人如孔子、爱因斯坦、卢梭、歌德、列宁等大都酷爱音乐，可以说音乐对于他们的事业成就具有一定的影响。“科学的认识和借助艺术的认识”。学校音乐教育不仅帮助学生形象地认识客观世界，扩大他们的知识视野，并且可以以乐促智，让他们的智能得到多方面的发展，诸如思维、想象、情感体验、审美感观等。如在音乐欣赏和唱歌时，学生会产生注意、记忆、想象等一系列心理活动，这能促进学生注意力、记忆力、想象力的发展，让其获得活跃的思维能力；在器乐演奏中，学生手、脑、眼、耳并用，这能极大地开发他们的智力、锻炼他们的创造能力，使他们成为全面发展的创造型人才。
三、以乐怡性
音乐具有形象性、情感性、愉悦性三大基本特征，它主要是在音的运动与结构中让人们感知美、享受美。学校音乐教育应注意抓住音乐的.基本特征，让学生充分享受一切美的音乐，做到以乐恰性，让他们欣赏、感受、体现、创造音乐的美，用音乐之美陶冶性情，树立健康的审美情趣。如欣赏古曲《春江花月夜》可使学生联想到平静的江水、皎洁的明月等鲜明如画的音乐形象；欣赏名曲《二泉映月》可学生产生愉快、兴奋、痛苦、哀伤等不同的情绪变化，体会到作者阿炳在黑暗的旧社会里追求光明、乐观向上的可贵精神；欣赏中国少儿广播合唱团演唱的《摇篮曲》、《鳟鱼》等名曲可使学生产生一种“余音绕梁，三日不绝”的愉悦心情。
总之，学校音乐教育的育人功能是在不知不觉中逐渐加强的，凡长期经过音乐熏陶的学生，其性情、精神、气质以及思想意识、思维方式乃至生活方式都会发生巨大的变化，这种变化会形成一种心理定势，具有牢固的稳定性，能让其一 生获得健康的心理、良好的行为习惯。因此，学校音乐教育应以育人教育为宗旨，努力做到以乐辅德、促智、怡性，从而达到全面育人的目的。
音乐的论文11
摘要：随着教育改革的不断推进， 新课改对传统教育模式的冲击是很大的， 同时也对我们教师提出了更高的要求。而初中音乐课作为培养学生全面发展， 提高学生综合素质以及分辨美的能力的重要课程， 有助于培养学生的德智体美劳， 在学生学习成长过程中发挥着重要的作用。但是， 目前初中音乐教学还存在着问题和矛盾， 需要我们教师认真总结经验教训， 提出行之有效的教学措施。
关键词：素质教育； 初中音乐； 音乐教学；
学生综合素质的培养包括多方面的内容， 其中最重要的是学生的思想文化以及身体心理健康方面的培养。21世纪对德智体美劳全面发展的人才需求越来越大， 而音乐课程作为提高学生的综合素质， 陶冶学生情操的重要课程， 在学生综合培养方面起到越来越重要的作用。在素质教育的背景下， 初中音乐教学要切实发挥教育作用， 不断创新形式让学生尽快建立起对音乐的兴趣， 同时努力做到让学生尽快发现美， 并甄别出什么才是美。这不但有助于学生在平时辛苦的课程之余， 有机会放松心情， 陶冶情操， 更能帮助学生在日后的发展中不断向全面综合以及高素质方面发展。
一、初中音乐教学阶段遇到的问题
（一） 对音乐课程的重视不够
很多学校教师都认为音乐并不是考试科目， 而是一门辅助课程， 因此对其重视程度不够。部分教师认为音乐课程在闲暇之余上没问题， 但遇到了类似考试这类的活动中必须为主要课程让步。这就直接导致一学期的音乐课程标准被压缩到很短时间内完成， 而时间不够是一方面， 另一方面教师为了赶进度， 将本应该属于学生自己动手的时间都尽力缩短， 学生没有动手能力， 对音乐的理解也就仅仅是留于表面。
（二） 认为理论大于实际
很多学校受教学条件的影响， 不能给学生提供全面的音乐器材， 而音乐课上的时间也就仅仅是教师在讲台上讲解音乐的理论知识而后让学生背诵， 或者直接什么都不说让学生自己看书。这样的教学形式根本不能培养学生对音乐的兴趣， 这违背了设立音乐课的初衷。学生无法真正放松紧张的心情， 陶冶情操也就无从谈起， 而且学生对音乐课程的理解不到位， 在潜意识中就将音乐课当成是平时上课的辅助， 认为音乐课就是玩， 就是上课跟同学聊天甚至直接趴在桌子上睡觉。由于上述原因， 很多有着音乐天分的学生在初中阶段没有经过系统学习而直接导致不再接触音乐。
（三） 单一的教学模式和教学方法
对大部学生来说， 印象中的音乐课程其实与其他课程没有太大的区别， 都是教师讲， 学生听， 而讲学的内容也大都是教材上所写的内容， 没有更多的延伸和补充。初中音乐教学上的零互动也是导致学生无法建立音乐兴趣的重要原因， 学生以及教师都不能对自己有一个准确的`定位。教师认为自己才是课堂的主体， 而学生的主体地位得不到充分体现， 导致效率低下。
二、如何解决初中音乐课程中遇到的问题
（一） 重视音乐教育
素质教育要求学生全面发展， 而不是培养学生的应试能力。首先我们要做的就是正视音乐课程的地位， 按照课程的要求将音乐课程贯彻到底， 并制定教学进度， 其他课程的教师不能随意占用音乐课的时间， 保证教学课时。另外， 教师要注重学生的音乐理念教育， 让学生能认识音乐课的重要性。此外， 学校领导也要重视音乐课程， 让音乐课在学校的统一安排下切实起到培养学生综合素质的作用。
（二） 创新音乐教学的内容
我们平时所接触到的音乐只是一个成品， 是创作者在一段时间内心血的浓缩。如果单单是学习这一段音乐本身， 不可避免地就会将之创作背后的目的以及想要表达的情感所忽视， 这不是我们所提倡的音乐教育。在此基础上， 音乐教师可以适当地将音乐课程进行一个延伸。例如， 在教学《同一首歌》这首歌时， 教师可以首先模拟一下演唱者当时的情境， 然后让学生闭上眼睛安静倾听， 感悟创作者的心态。这时， 教师也可以适当地将创作背景讲给学生听， 增强学生的代入感以及加深学生对音乐的理解， 切实增加学生的音乐素养， 让学生正确认识美、发现美。音乐教师以及学生都要认真对待、努力拼搏， 最终实现学生综合素质的提高。
（三） 创新音乐教学模式
1。 在初中音乐学习阶段， 教师可以分组教学， 让学生在小组合作下进行音乐学习。分组教学不但提高了学生的合作探究能力， 还调动了学生积极性。此外， 教师可以让班级中有过专业音乐学习的学生分散到各个小组， 由学生自己讲解自己所学乐器的内容方法以及学习心得， 帮助其他学生尽快建立起音乐学习的兴趣。
2。 此外， 多媒体也是学生音乐学习的重要手段。教师可以在上课之前准备几首动情的歌， 在上课之前让课代表拿到班里播放。这样一来， 既可以让学生尽快进入音乐课的状态， 又能让学生喜闻乐见、放松心情。
3。 提供几首纯音乐， 如：《鲁冰花》。我让学生辨别一共用到了哪些乐器并想象歌曲中描述的画面， 切实培养学生的音乐思维， 提高音乐鉴赏的能力。再如， 在教学《让世界充满爱》这首歌曲时， 我提前制作一个幻灯片， 其中插入许多充满爱意的画面， 提升歌曲的感染力， 让学生自己去体会音乐的号召力。
三、结语
学生的素质教育包括很多方面， 音乐素质是其中一个不可或缺的成分。教师通过高效的音乐教学， 不但能提高学生音乐意识和音乐素养， 还能提高学生的综合素质， 使他们成为一个有着高尚情操的人。对于教师来说， 我们要做的就是采取积极的方法培养学生的音乐兴趣， 努力调动学生的积极性和主动性， 推动学生德智体美劳全面发展， 让学生成为新时期所需要的高素质人才， 让素质教育在学生身上有一个更完美的体现。
参考文献
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音乐的论文12
【摘要】在新课程理念的指导下，高中音乐教学的改革呈现出时代性和选择性的趋势。而在高中音乐课程教学改革的背景下，如何采取有效措施促进高中音乐教育教育的革新和发展，丰富教学方法，构建完善的教育机制，已经演变成高中音乐教育工作者一个亟待解决的核心问题。本文主要从现阶段高中音乐教学的实际出发，有针对性地提出了具体的创新措施。
【关键词】新课程、高中音乐、教学、创新
一、前言
高中音乐教育教学改革明确提出了“以人为本”的理念，倡导音乐教学的最终目的是实现“人的发展”，并在此基础上不断丰富高中音乐教育的内容，拓展音乐教学的领域。同时在形式多样的实践教学中，引导学生体验音乐和学习音乐。但由于我国应试教育的影响，目前高中音乐教育与其最终目的的实现还存在一定差距。在新课程背景下，创新高中音乐教学对推动素质教育具有重要意义。
二、新课程背景下高中音乐教学的创新
1.重视课堂教学
(一)丰富音乐教学内容
在新课程背景下，重视高中音乐课堂教学，不但能够推动音乐教学的创新，更能够为音乐学习方式的转变创造有利条件。高中新课程改革是为实现高中教育教学目标服务的，体现了素质教育的理念。在高中音乐教学的创新中，确立以音乐审美为核心的课程理念，构建与社会发展相适应的，与音乐教育基础性相结合的，能够体现时代性的高中音乐教育内容体系，是培养高中生文化素养的关键。
众所周知，教学内容的单一性容易打击学生学习音乐的主动性和积极性。所以，高中音乐教师应考虑到学生的兴趣爱好以及多元化需求，对所学的音乐必修课进行整合和补充。例如，在教授音乐剧单元时，可对单元结构进行调整，补充和完善专门的音乐剧赏析环节。除此之外，还可通过拓展选修课的方式，丰富音乐教学的内容，为学生学习方式的.转变提供条件。
(二)引导学生自主学习
在高中音乐教学中，教师应转变教育教学方式，为学生构建完善的表现平台，引导学生自主学习。对于高中生来说，在学习上还存在有高度依赖教师的现象，且缺乏系统的自我规划，对于音乐的学习常处于被动地位。而作为学生学习音乐的引导者和组织者，教师在为学生搭建通往音乐学习的桥梁时，应从学生实际的兴趣爱好出发，从课堂和课外两个方面对学生进行积极引导，主动构建和完善师生之间、生生之间交流的平台，从根本上改善学生在音乐学习上的被动局面。
在音乐课程的教学过程中，音乐教师应尽力为学生提供交流平台。例如，在音乐鉴赏课中，搜集一些学生耳熟能详的，具有鲜明的时代特征的，与生活息息相关的音乐原材。在实际的课堂教学中，教师要对学生循循善诱，鼓励学生用心聆听，相互交流，倾心感受乐曲所呈现的意境，在比较中发现，从发现中提高，教师还应鼓励学生的每一次发言，开设生生点评、师生点评和自我点评等环节。
要提高学生自主学习音乐的能力，就必须将自主学习贯穿于音乐学习过程的始终，为学生构建完善的表现平台。例如，可利用学校现有的场地和设施，举办高中生才艺比拼大赛。参赛选手可自主选定比赛所用的曲目、明确表演形式、通过请教音乐老师或者与学生的交流合作，不断完善和提高自身的音乐水平。而不参赛的学生中亦有很多自发参与到活动中，群策群力，为参赛选手出主意、想办法、构思演出形式，反馈表演的意见等。如此一来，不但能够调动所有学生学习音乐的主动性和积极性，更能够在这一过程中实现学生从被动到主动的转变，使其学习音乐的意识得到启发。
2.加强音乐实践
音乐教师应该关注学生与音乐相关的实践活动，使音乐真正成为推动学生全面发展的媒介。传统的学习观注重的是以知识和课本为中心的认识活动，把学习的本质视为一种认识过程。而对于音乐的学习来说，其具有较强的操作性、实践性以及在表现领域的技能性。不管是演奏、歌唱、创作，还是音乐与戏剧表演，音乐与舞蹈，都与实践活动密切相关。以歌唱为例，如果学生在学习音乐时，只一味地关注呼吸、咬字和吐字、器官的构造等方面，而不将其与歌唱联系在一起，那么，学好音乐只能是空谈。又如演奏乐器，只知道某种乐器的构造与性能，了解一些演奏方法，但不去实际操作，那么你永远都不可能真正掌握演奏的技巧。尤其在识读乐谱时，更要与具体的音乐实践领域结合起来，否则只能是充满理性的纸上谈兵。
高中生正处于身心发展的关键时期，其现今的学业与未来的事业能否取得成功，与其智力有直接联系。而音乐一旦与学生的心理节奏、旋律以及生理结合在一起，则会产生一种自信和希望。对生活增强自信和力量，充满人生的希望追求，更能使学生的品格和个性得到和谐发展与健康成长。大量实践证明，教师与学生的地位是平等的，虽然有时一些学生做得不够好，但对于音乐的指导教师来说，不能单方面的采取过激手段，应重视与学生的交流和正确的引导，让学生从思想上深刻地认识到自己的不足和缺点，从而调动其积极性，让学生们在平日的音乐活动中，能主动地尽情发挥自己的音乐实力，与教师和同学们一起，共同成长和发展。
3.重视因材施教
在高中音乐课程中，音乐教师应该重视因材施教。每个学生都来自不同的家庭，成长在不同的环境，性格当然也各异，基于这种情况对学生实施音乐教育，在音乐中显得尤为重要。我国所倡导的素质教育是面向全体学生的教育。而面向全体，其实质就是针对每一个个性迥异的学生，切实做好音乐教育，从学生的个性出发，有针对性的采取有效的教学手段。没有不可教育的学生，只有不善于教育的教师。如何正确地对高中阶段学生的智商、才能及其发展的潜质进行判断，是作为高中音乐教师的重要职责之一，同时，这也是教育智慧中的关键部分。如果是泥土，则可烧制成砖瓦;如果是铁矿，就能百炼成钢。在音乐教学中，使每一个学生的音乐潜能得到开发，使他们从中受益，让学生在丰富多彩的音乐中，陶冶情操，提高对美的鉴赏能力，让音乐课成为主阵地，最终促进音乐教学目标的实现。
三、结束语
总而言之，随着新课程改革的逐渐推广，对于教师素质和能力的要求也随之提高。在音乐课堂教学中，教师应坚持“以人为本”的理念，充分发挥学生的主体地位，彰显学生的独特个性。同时，还应该具有高度的责任感和紧迫感，通过各种途径，加强学习，提高自身的教学水平和职业素养。只有不断去努力钻研和探讨新的音乐教学方法，不断去感受生活，体验生活，才能提高自身素质，真正走进新课程，为素质教育的实现贡献力量。
参考文献：
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音乐的论文13
音乐是幼儿园教学生活不可缺少的组成部分，除了对幼儿进行音乐教学，我还将音乐渗透到幼儿的一日生活之中，不仅提高了幼儿的音乐素质和能力，而且对于我们一日生活中的各项工作都有所帮助。在这里，我就将我所积累的一些经验与大家共同讨论一下。
一、 激发幼儿对音乐的兴趣：
兴趣是学习的动力，尽管幼儿天性喜欢音乐，但对这种兴趣爱好仍要注意培养，并给予发展。这不仅仅是为了在幼儿园生活的短短几年中，使幼儿能对音乐抱积极态度，而且要使这种兴趣得以巩固、保留，并成为终生的一种需要。 要想更好的对幼儿进行音乐教育，首先要培养他们对于音乐的兴趣。如何才能更好的培养幼儿对于音乐的兴趣呢？
1、 认识到幼儿对音乐的兴趣：在我们的教学工作中，大家不难发现这样的情况：当我们为幼儿播放进行曲时，他们马上会甩起臂膀，雄赳赳气昂昂的学起解放军齐步走来；当我们为他们播放欢快、激烈的乐曲时，他们马上会手舞足蹈，随音乐欢快的摆动身体--- ---这正如陈鹤琴先生所说的:“大凡健康的儿童无论是游戏、散步或工作，他们本能的都爱唱歌，表现出音乐的律动。”因此，在我们日常的教育教学中，我们一定要善于发现幼儿对于音乐的兴趣，时刻观察，并进行保护。
2、 激发幼儿对于音乐的兴趣：认识到幼儿对音乐的兴趣后，就应该及时的激发和培养。首先要让幼儿更多的接触音乐，增强音乐对幼儿的感染力。为此，我将音乐贯穿渗透与幼儿的一日生活之中。例如，在用餐之前，我为幼儿 播放优美、抒情的轻音乐，让幼儿在安静、舒适的音乐中等待用餐；在开展角色游戏时，我们专门创设了一个“音乐台”，里边有各种乐器和演出用的道具，幼儿可以随自己喜欢的音乐自由的演奏和舞蹈；在幼儿午睡时，我为他们播放催眠曲，让他们更快的进入梦乡--- --- 另外，我还经常组织幼儿玩一些有趣的音乐游戏，充分调动起幼儿对音乐的兴趣。
二、 对幼儿进行合理的教学：
幼儿园的音乐教材，无论是歌曲、舞蹈，还是音乐欣赏、律动，都韵含着一定的教育内容。每当我们拿过来一节课，分析教材内容是至关重要的，教师只有把教材分析透彻，才能更好的设计教学活动，发挥教材的教育功能。
1、情感教育：每一个音乐作品都有自己所要表达的'思想感情，目的是为了抒发情感以及对美好生活的无限热爱。所以，我们在演绎音乐作品时，就应该把作品所要表达的内涵充分的表现 出来。针对这一点，我在日常的音乐教学中，注意从情感入手，引导幼儿对音乐作品产生相应的情感共鸣，培养了幼儿对音乐的理解和对音乐的表现力。例如：大班音乐歌曲《卖花姑娘》，是一首节奏缓慢、悲伤的歌曲。在教学过程中，为了让幼儿体验悲伤的情绪，在课前，我为幼儿讲了《卖火柴的小女孩》这个故事。在故事讲完后，我马上播放《卖花姑娘》这首歌曲，让幼儿始终沉浸在悲伤的气氛中，充分感受悲伤的情感。然后，在学唱这首歌曲时，幼儿自然就能够用低沉、缓慢的声音把歌曲完整的表现出来。而且还能够做到表情和声音的统一，使幼儿对作品所表现的内容有了深刻的理解。
2、品德教育：幼儿园音乐教材中的品德教育，使幼儿园音乐教育的核心内容。让幼儿在原有的认识基础上理解其教育内涵，是达到音乐教育目标的根本问题。例如：歌曲《小乌鸦爱妈妈》，讲述了小乌鸦长大以后不忘妈妈的养育之恩，叼来虫子为妈妈的故事。在现实生活中，我们班有好多孩子都缺乏对父母长辈的尊重，对自己的父母没有礼貌。稍有不顺心意的是就大喊大闹。针对这种情况，我在上课时，着重向幼儿进行了这方面的教育。“连小乌鸦都知道报答妈妈的养育之恩，爱护妈妈，照顾妈妈，拿我们小朋友应该怎么做呢？”这个问题在幼儿之间展开了讨论，使幼儿充分认识到了尊敬长辈、孝敬父母是我们中华民族的传统美德，从情感体验中激发了幼儿尊重他人的行为。
3、音乐技能的培养：对幼儿进行音乐教育，首要一点就是对幼儿进行音乐技能的培养。通过启发引导幼儿积极参加音乐艺术活动，在音乐艺术的情感体验和美的感受中，培养幼儿对音乐艺术学习的兴趣和爱好。培养幼儿主动参与、主动体验、主动表现音乐的积极性和兴趣，发展幼儿对音乐艺术的审美感知能力。通过教学，教给幼儿歌唱、韵律活动、音乐欣赏、乐器演奏等方面的粗浅知识和技能，培养训练幼儿的音高感、节奏感、音乐感、力度感和曲式感等基本的音乐素质。发展幼儿对音乐的感受力、记忆力、想象力、表达力及创造力等方面的音乐能力，促进了幼儿音乐素质水平的提高。
音乐的论文14
世界音乐不单纯指的是世界各地的民族性音乐,同时也反映出了世界各地不同背景下的音乐文化。音乐属于自己国家的才是世界的,但是各国的音乐发展过程中不同程度上的强势文化与弱势文化的冲撞都会为音乐带来巨大的变化,
一、强势文化与弱势文化
所谓的强势文化也就是指以基督教为背景,以理性为基础,以法律为主要治理手段的西方文化,这种文化在文艺复兴之后的五百年时间中得到了极大的发展。它在文艺复兴、宗教改革、启蒙运动和工业革命等一系列轰轰烈烈的变革中逐渐发育成长并得以完善。这种文化的强大不仅表现在它的物质方面,也表现在它的精神方面、学术方面和艺术方面等。强势文化从其现实意义上讲,并不一定是最先进的文化,也并不一定是最优秀的文化,而且还可能是相对落后的文化和具有劣根性的文化,它在传播过程中表现出对它的拥有者而言在政治上、经济上对受众者在吸引力上处于相对优势的地位,具有强大的包容性、复制性兼容性、和可持续性。强势文化之所以为强势,一定包含着或者说体现了普遍的人类旨趣与价值。同时,它又不是可以独占的财富。弱势文化则与之相反。强势文化与弱势文化的区别在于强势文化尊重自然规律,尊重作为人的自己。而弱势文化尊重统治者的规矩,尊重自己给自己上的锁链。
二、强势文化与弱势文化的碰撞——音乐文化的流变
一个国家、一个民族的音乐传统及音乐文化的表达方式,总是与这个国家、这个民族的历史文化和社会形态紧密联系在一起的。谈到强势文化与弱势文化相遇,碰撞后的音乐,不得不提到的一个现象就是音乐文化的流变,这两个问题在本质上是一致的。音乐文化的流变是每一个民族音乐必然要遇到的现象,没有流变就不会有丰富多彩的具有本民族特点的民间音乐。所以,流变不仅是必然的,也是必要的。音乐文化的流变是一个十分复杂的现象,从它流变的种类来看有以下四种情况:音乐结构的流变、音乐表演的流变、表演场合的流变和音乐功能的流变。在强势文化与弱势文化相遇碰撞后给中国音乐文化带来的流变笔者认为可以这样来看。
1、传统音乐的延续
中国的传统音乐如戏曲和说唱音乐,经历了自宋朝以来近千年的变迁,形成了相对定型的声腔体系和表演程式。即使受到各种外来因素的影响和冲击,仍保持着自己的特色,其声腔、伴奏乐器、打击乐的运用,以及唱、做、念、打的综合表演形式,也保持了各自的基本面貌。传统音乐形式在社会生活中的“原种”延续,是当代中国文化的重要组成部分,其意义、影响和人文价值对民族音乐文化的构成,始终是第一位的。
2、中西合璧的流变
西方音乐对中国音乐文化全方位渗透和大面积覆盖的结果,一方面是中国音乐家们对西方音乐形式和表现技法加以利用、借鉴和改造,使之与中国传统音乐内容有利的结合,用以表现中国的社会生活及中国人的思想情感。而另一方面,西方音乐在中国的.传播,从歌剧、舞剧到电影、电视音乐,从音乐厅和音乐艺术院校课堂的典雅音乐,到体育馆、露天舞台、商店、歌厅流传的流行音乐,这些主要由西方人创造的音乐形式,虽然可以由中国音乐家进行再诠释,或供中国老百姓进行艺术欣赏,但这些源于西方社会生活和文化背景的音乐作品,毕竟不是中国音乐。
3、音乐艺术生产力和音乐创造的流变
我们听贝多芬、莫扎特等伟大作曲家的作品,感受是存在差异的,这种主体因素创造的过程是音乐艺术生产力特殊性的另一种流变。现在从我国艺术歌曲方面,不难看出我们对强势文化也就是所谓的西方文化的态度。从1920年至今,我国音乐家所倡导的艺术歌曲中国化创作理念,在旋律的运用、和声的变化到丰富的钢琴伴奏织体上都不同程度地加以改造,创作出了大量的艺术形式多样,风格多样的作品。如《教我如何不想他》采用了单主题与变奏的形式,结尾运用了中西结合的自由合尾式变奏曲式等。从狭义的界定中来看,中国艺术歌曲的范畴按其一般意义的界定,它是西乐中融的产物,迄今在我国只有近百年的历史。文化的发展不是固步自封、一成不变的结果,音乐也是这样。强势文化与弱势文化的根本区别在于发展进步的原动力、内驱力的先进与落后、主动与被动之别。无论是在全球化的今天,还是更远的将来,弱势文化所依附的落后、保守、阻碍时代进步的顽固堡垒,势必要被以强势文化所代表的先进,开放,顺应时代的文明所打破。我们应该尊重不同的文化。在不同文化的碰撞,交流,互动过程中互相理解,在差异甚至矛盾冲突的运动过程中,求同存异,共同发展,走多元化的道路。
音乐的论文15
一、职高音乐教学存在的问题
（一）音乐基础知识薄弱
由于学生在初中学校进行学习时，教师往往重视学生的文化成绩和升学率，对音乐教学不重视。甚至有的学校经常出现文化课占用音乐课的情况。由于对音乐教学的不重视，导致学生对音乐课的学习不感兴趣，基本的音乐知识没有掌握。
（二）教学设备简陋
在职高音乐教学中，教学设备较少，在让学生对音乐知识进行探究时，不能让他们通过实践来体会音乐的内涵。在这种环境下的音乐教学不能有效发展学生的音乐综合素质，使学生缺乏欣赏音乐盒感知音乐魅力的机会，导致学生对音乐课堂的学习失去兴趣。由于音乐设备缺乏，学生对各种乐器的辨别能力不强，在进行音乐欣赏时不能运用音乐知识来进行分析，感受乐曲中蕴含的情感，不能有效提高学生的综合素质。
（三）学生不注重聆听
职高学生在音乐教学中的注意力比较分散，尤其在进行音乐欣赏环节时不注意聆听。在对音乐进行欣赏时，主要是通过聆听来感受音乐中蕴含的情感，通过听来与音乐产生共鸣，激发学生的音乐情感。学生在欣赏音乐时不注重聆听，就不能受到音乐的感染，从音乐中获取力量。由于没有专心聆听音乐，学生对音乐要表达的意境没有掌握，也体会不了其中要表达的情感。学生聆听音乐的能力和意识需要教师在教学中不断培养。造成学生不注重聆听的原因也反映了教师对聆听的不重视。
（四）学生对音乐所形成的错误观念
职高学生对音乐学科存在观念上的错误认识。他们普遍认为只要学好专业知识课程，就能顺利毕业，找到好工作。所以，对于注重专业技能的职高学生来说，音乐课的学习可有可无。学生在音乐课堂中的学习仅仅是为了获得娱乐，在课堂上注意力不集中，做小动作，交头接耳，课堂纪律很差。学生对音乐课程的错误认识使音乐教学不能顺利开展，严重影响了音乐教学效率。
二、运用有效教学方式来激发学生对音乐学习的兴趣
为了改变职高音乐教学的现状，让学生对音乐学习重视起来，职高音乐教师在进行教学时，要通过教学方式的改进来调动学生的兴趣，采用丰富多彩的方式让学生感到音乐课堂的趣味性，调动他们的积极性，使他们主动进入到音乐情境中去体会和感受。例如，教师可以让学生在音乐课堂学习环节进行演唱以调动学生的参与性，还可以让学生在倾听音乐时伴随音乐进行舞蹈。在跟随节奏动起来的过程中，课堂氛围也活跃起来。在欢快的氛围中，学生对音乐学习的兴趣也被激发出来，使他们积极和教师进行互动，并能主动对教师布置的音乐学习内容进行探究，提高他们的音乐综合能力。同时，教师要让学生感受到音乐对人气质的塑造。通过对音乐知识的探究和对音乐的体会，能不断净化学生的心灵，提升他们的外在气质，使学生的综合素质获得提高，为他们顺利进入职场提供有利条件。
三、营造良好音乐情境的措施
在音乐教学中，教师在教学不同音乐时要创设不同的音乐情境，使学生能根据音乐风格进行欣赏和探究。良好的'音乐情境不仅让学生在探究音乐知识时感到轻松，还能使他们的情操得到熏陶，形成美好的品质。在教学中，教师可以从以下两个方面进行良好音乐情境的创设。
（一）注重流行音乐和传统音乐的结合
流行音乐和传统音乐相比，学生更愿意传唱流行音乐。这是因为流行音乐的节奏比较欢快，在演唱时能激发学生的活力。同时，由于职高学生对新事物具有强烈的好奇心，他们接受流行音乐的能力很强，学习和接受的速度较快。在教学中，教师可以利用学生对流行音乐的兴趣，将传统音乐与流行音乐结合起来进行教学，把流行音乐作为切入点，引发学生对整个音乐文化的兴趣，最大限度地拓展文化艺术的视野。让优秀的流行歌曲走进音乐课堂，就能为学生搭建起通向高雅音乐的桥梁，进而为学生营造出一个良好的音乐情境，提升学生对作品的感染力，最终实现职高音乐课堂教学效率的提升。
（二）通过多媒体教学调动学生对音乐欣赏的积极性
如果说美术是一种视觉艺术，那么音乐则可以称之为是一种听说艺术。所以，教师在音乐教学中要通过多媒体来创设一个使视觉和听觉共同发展的音乐情境，让学生在直观的感受中体会音乐中的意境，感受音乐的美。例如，在向学生教学《草原放牧》这一首歌的过程中，教师可以通过插播动画片的方式，让学生在进行音乐欣赏的过程中对相关的故事情节和人物特点进行进一步的理解和认识，确保学生在一种较为轻松和谐的状态下欣赏音乐，得到美的享受。此外，教师在向学生教学《沂蒙山小调》的过程中，可以按照与其相关的内容来插播青山、绿水、牛羊、丰收的庄稼。学生观看的同时，播放歌唱家演唱的画面，这样更能加深学生对作品的理解，提高对作品的兴趣，促进学生在音乐课堂上的积极性。
四、结语
总之，在新课改的过程中，职高音乐教师要重视学生音乐综合素质的培养和发展，帮助他们通过积极主动的探究来提高音乐学习能力。在教学中，良好音乐情境的创设对学生学习音乐有极大的促进作用。在教学中，教师要调动学生学习音乐的主动性，让他们通过感受音乐的意境美来发展审美能力。在音乐教学中，在倾听音乐的同时让学生展开想象，感受来自音乐的魅力，可以激发他们的创造性思维，使他们的综合能力获得发展。
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