论舞蹈与音乐的关系的论文（通用7篇）
现如今，许多人都有过写论文的经历，对论文都不陌生吧，论文对于所有教育工作者，对于人类整体认识的提高有着重要的意义。你知道论文怎样写才规范吗？下面是小编精心整理的论舞蹈与音乐的关系的论文，仅供参考，欢迎大家阅读。
论舞蹈与音乐的关系的论文 篇1
一、音乐对舞蹈的作用
尤其在舞蹈中，对舞蹈的意义比灯光和舞美显的更为重要。音乐在舞蹈中起着烘托气氛反映主题的功能。而舞蹈的目的在于将自己对生活最真的一面表现出来，这就需要对音乐有很好的理解，通过与音乐的配合进一步深化内心情感的表达。因此，笔者将从以下几个方面来论述音乐对舞蹈的重要性。
1、音乐的外在作用
首先，舞蹈离不开音乐的情感激发。舞蹈与音乐是一对姊妹艺术，它们既可以是独立的个体存在，同时又有着不可分割的关系。音乐主要是时间、空间、听觉为主的艺术，而舞蹈是以空间、视觉为主的艺术。音乐与舞蹈也是密不可分的，没有了音乐的衬托，舞者的肢体将不再生动，情感和个性将不能更好的去体现。
其次，节奏是舞蹈和音乐相结合的共同点。纵向来看，从古至今，舞蹈、音乐一直以来都是完美结合的艺术。节奏是舞者肢体表现情感的基本因素，也是美妙旋律的基本因素。换句话说，它们能够密切的结合在一起，节奏是连接它们的基础。
最后，离开了音乐的配合，成功的舞蹈或舞剧作品将不复存在。对于优秀的舞蹈作品，人们如何来评价，又是如何去理解的呢？换句话说，例如：舞剧《天鹅湖》创作者俄国著名作曲家柴可夫斯基，音乐刚创作出来的时候，没有人会想到它将是一部成功舞剧的经典之作。后来舞者在音乐的完美配合下跳出了激情，舞出了冲动，最终引起了观众的共鸣，同时也成为了舞蹈音乐的典范。
综上所述，有舞蹈存在的地方必将有音乐的伴随。因此，笔者认为，舞蹈演员不仅应有舞蹈表演的功底，而且更要对音乐有一定的认识和了解。
2、音乐的内在作用
众所周知，音乐、舞蹈是一对不可分割的好姊妹。要想一个舞蹈的情感内涵更加饱满，只有通过一曲好的音乐去衬托，进一步提升舞蹈动作的完美体现、集中抒发舞者的情感，才能使舞蹈的语汇更加凝练，从而舞者的思想性也更加丰富。在舞蹈作品中，音乐不仅可以提供美妙动人的旋律，而且还可以使舞者打动观众。作为艺术门类的舞蹈和音乐，不仅可以抒发情感，而且在剧情中刻画着人物的形象。同时，音乐的思想和内涵可以通过舞蹈作品表现的更加活跃，扣人心弦。其次，音乐不但起着辅助的作用，而且能够淋漓尽致地表现舞蹈的主题和氛围，也就是说，在舞蹈中音乐是为动作而存在的。
在舞蹈的创作中，一般是由编导与作曲家共同协作，对每段舞蹈所要表现的内容进行沟通，在达到某种默契后由作曲家首先开始创作音乐，而舞蹈编导同时开始构思舞蹈的动作与画面，在音乐创作完成后舞蹈编导会对照音乐来进行编排，从而达到高度协调。当然在舞蹈编排的过程中，舞蹈也要对音乐进行选择，舞蹈编导在编舞过程中还可以对音乐提出修改意见，在舞蹈编导与作曲家不断协商与沟通后，舞蹈和音乐才能更好的融合在一起，共同塑造相同的艺术形象，丰富艺术内容。
3、音乐的情感作用
只有得到音乐的完美配合，成功的舞蹈篇章才能够给观众展现一种美妙的艺术享受。同时，每一位编导在创作过程中编排手法各不相同，但是他们对于音乐的要求基本一致，众所周知，舞蹈是一门肢体艺术，它所要表达的思想主题是需要舞者用自己的身体非常直观的展示出来，所以它在某种时候是很难将主题很清晰的表达出来，这时就需要音乐的配合，因为音乐是听觉艺术，可以用它特有的音乐旋律将观众带入一种想象的意境中去，在这种音乐的氛围里观众随着舞者肢体动作的呈现就能在视觉和听觉双重的感知下感受编导所要表现的主题思想，从而能够更清晰，更准确的把握舞蹈与音乐所要展示的美的享受。
如在舞剧《乌纱魂》创作中，编导在开始创作时并没有单纯的用音乐的节拍去编排舞蹈的动作，而是先把作曲家完成的音乐进行反复的倾听，所谓听，就是用心灵去感知音乐，在旋律中去体味，去寻觅动作的源头。在经过反复无数次的聆听后，编导对于音乐的理解已不是单纯的节拍和音符了，他似乎听到了音乐在诉说着一个故事，故事里有悲有喜，有激动，也有失落。这时编导便在这种类似于“凝固”了的音乐气氛中如痴如狂的开始编排。这时舞蹈随着音乐驰骋，动作从胸中流出。—部舞剧的创作在很短的时间内就创作完成了，其中音乐与舞蹈的丝丝紧扣是该舞剧成功的一大亮点，在剧情展示中如惊雷一现时，舞者的身体刚好是猛的收缩，在舞者得意洋洋时，音乐又是一种喜悦的曲调，如此种种都是因为舞蹈与音乐完美结合的产物。舞蹈完成了自己肢体动作的诉说，音乐更是在舞蹈用肢体诉说故事的同时帮助舞蹈完成它衬托剧情的任务，从而使舞剧更加精彩和完美。
二、舞蹈中音乐的重要性
舞蹈本体的组成部分是离不开音乐的，在音乐与舞蹈相结合的漫漫之路上，“和谐一致的融洽关系”可以与它们相匹配，它们的共同点就是用直接、强烈、细腻的手法表现人的内心情感，坦露人的心灵。不能够说音乐是舞蹈的全部，也不是它的核心，但不可否认的是，它对舞蹈肢体的精彩表现起到了非常重要的“辅助”作用。
1、音乐对舞蹈主题的影响
音乐与舞蹈本身是两个完全独立的艺术种类，音乐运用音符的不同组合，形成乐曲展示的是一种听觉的美妙享受，本身它是可以独立存在的，而舞蹈是用人的肢体来表现人的丰富、复杂的感情世界的，是一种升华了的“肢体语言”。然而，在具体的表现中，音乐可以运用自己特有的美妙旋律来展示自己所要展示的主体和思想，若有舞蹈的衬托则更加完美，然而没有舞蹈的衬托也可以很好的诠释其想要诠释的优美。舞蹈是视觉艺术，虽然它也可以在没有音乐的伴奏下起舞，可以利用肢体的不同动作完成自己想要展示的主题和思想，但这样就会使舞蹈显的单一而没有活力，没有音乐相伴的舞蹈就像是冬天的河水完全是凝固的，而有音乐相伴的舞蹈则像春天的河水那么有活力，像夏天的河水那么的汹涌，像秋天的河水那么多姿多彩。
在舞蹈中肢体的动作是第一位的，而音乐就是紧随其后为舞蹈提供保障的不二选择，没有音乐的陪伴舞蹈是苍白的，是无力的，是无法感染观众的无声的肢体艺术。人们常说“音乐是舞蹈的灵魂”“灵魂”说是适应西方芭蕾舞剧创作的一种规律和要求。在此本人也非常赞同这一说法，因为音乐对舞蹈的帮助不是相辅相成，而是舞蹈离不开音乐，我国古代所说的“乐”就是对音乐、舞蹈、诗歌相互结合为一体的总称。从而充分证明无论是西方的芭蕾舞还是我国古代的乐舞，它们一直遵循的就是乐舞同行这一永远不变的规律在进行着舞蹈艺术的创作。
2、音乐对舞蹈感官的影响
比如说，我们平时看到的、接触的、嗅到的、听到的等这些都是人对事物的直接感受，也就是感觉器官在发挥着作用。优美的音乐旋律可以愉悦人的心理，再加上舞者的完美配合，还可以给人的视觉上提供一种艺术美的享受，因此说，舞蹈的好姊妹音乐是人体感觉器官的一种需要。
实践证明，能够给人留下深刻印象并且具有一定影响力的舞蹈作品，它本身除了具有鲜明的主题思想、深刻的思想内涵、生动的艺术形象、新颖的舞蹈语言、独特的风格韵律以及精心的服装和灯光设计外，关键还要有优美、抒情、和谐的音乐。如舞蹈《踏歌》的音乐，既有古曲的雅韵，又有欢快流畅的旋律，它那古朴优雅的律动节拍一下就将人的思想带回到了那久已远去的汉代渭水之畔，使人快速的联想到一群身着绿色长裙的少女在水中嬉戏的场景，同时舞者以其特有的古典舞蹈律动相随起舞，跳动的节奏，活泼的旋律，舞者们情不自禁的荡溱起来。这正说明了听觉艺术和视觉艺术的结合可以使人们产生对艺术的无限遐想，同时更能激起人们对于美的追求。
3、音乐对舞蹈发展的影响
众所周知，舞蹈与音乐有一个最为显著的共性就是节奏，无论是民间小曲还是大型的交响乐曲，在其演奏时无论他的演奏和歌唱的技巧多么的复杂，它必须在节奏的控制下完整的将乐曲展示出来。而舞蹈同样也是，无论是民间秩歌还是大型舞剧，在其表演的过程中不管它的舞蹈动作有多么的密集或单一，它也必须是在节奏的控制下呈现出来才能体现它的主题思想。试想如果一部乐曲或舞蹈没有节奏，那将是一种什么样的景象，那将是没有生命的艺术，是混乱的艺术，是无法表现思想的艺术。所以说无论音乐还是舞蹈它们的共同规律就是都在节奏的不同变化中来完成其要表现的主题思想的。而当它们的节奏产生碰撞后，就能产生生命的火花，带给观众无限美的享受。
舞蹈演员虽然不需要像专门从事音乐工作的音乐家一样精通音乐的艺术，但却需要通过肢体语言来诠释音乐。舞蹈随音乐而动，音乐作为舞蹈中重要的一环，对于提升舞蹈演员的能力素质是不容忽视的重要问题。
音乐是舞蹈之魂，舞蹈是音乐之声。如何将音乐和舞蹈进行很好的融合，根据音乐的旋律跳出舞蹈的旋律，是舞蹈演员始终面临的难题之一。舞蹈动作随音符的变化而变化，舞蹈的变化应该完美的融合到音乐的结构中。不同的音乐旋律会产生不同风格的舞蹈动作，舞蹈动作随音乐的跌宕起伏能够表现出不同的内容。随着中国经济的发展，与中国独特民族特点相结合，需要进一步强化音乐和舞蹈的关系，创造富有中国当代特色的新型音乐舞蹈体系，用民族的舞蹈和音乐结合形成我国特有的舞蹈艺术，为传播中国文化有着重要的意义。
论舞蹈与音乐的关系的论文 篇2
一、音乐对舞蹈教学重要性探讨
（一）音乐是舞蹈的灵魂
音乐和舞蹈的关系，犹如鱼儿和水的关系一样密不可分。在高职学校舞蹈教学的过程中，离开了音乐，舞蹈教学就失去了其内在的魅力，显得形单影只。音乐作为舞蹈的灵魂，以其优美的旋律，始终引导着舞者思维的发散，使舞蹈的表现形式更加生动、形象，还可以陶冶舞者的情操，同时把舞者的思想境界升华到新的高度，进而创造出更好的舞蹈作品。如果没有音乐，舞蹈课堂教学的形式就会过于单调，学生们的学习兴趣也会大大降低，舞蹈课堂教学的效果也就不尽如人意了。
（二）音乐可以诱发舞者的灵感
音乐具有缓解疲劳，放松心情等方面的作用，舒缓的音乐可以让人保持平静祥和的心情，而激情澎湃的音乐则可以让人热血沸腾，满怀激情。动听的音乐和优美的舞姿完美的融合在一起，让舞者可以随着音乐或强或弱，或重或轻的优美旋律产生更多的联想，诱发舞者的灵感，使舞蹈的表现形式更加丰富，舞蹈动作更加完美，舞蹈的课堂教学气氛将会十分和谐，进而将舞蹈教学提升到新的层次，实现舞蹈课堂教学的目标。
（三）音乐可以促进内在情感的展现
在舞蹈教学的过程中，不应只是照本宣科，老师要把自己内在的情感因素融入其中，并通过舞蹈外在动作表现出来，使其成为“有感情色彩的舞蹈”，这一目标的实现取决于教师的表现力。表现力强就可以通过音乐和舞蹈的完美结合，并在音乐的指引下，把优美的舞蹈展现在大家面前。这更多的乃是内心情感或情绪的释放，音乐可以唤起舞者内心的情感共鸣，激发舞者强烈的情感欲望，达到身心、形体和音乐三者相互交融的境界，对于我们的幼儿教师来说，情感丰富、动作优美的舞蹈更能引起幼儿的兴趣。
（四）音乐可以增强学生对舞蹈动作的记忆力
任何的课堂教学，如想达到预期的教学效果，激发学生的学习兴趣都是必不可少的，高职学校的舞蹈教学也不例外。舞蹈是一项艺术性较强的`学科，动作要领众多，稍有不专心就有可能遗忘其中的某个动作，导致整个舞蹈动作不协调，影响舞蹈课堂教学的效果，如果课堂教学枯燥无味，机械灌输式的教学贯穿整个课堂，学生学习舞蹈的兴趣就会大大降低，专心致志的学习也就无从谈起，掌握领会舞蹈的每个动作更是一句空谈，我们未来的幼儿教师又将会把怎样的舞蹈教授给幼儿呢？由于高职学校学前教育专业的学生处在对音乐十分喜欢的年龄阶段，音乐和舞蹈的融合会使舞蹈教学达到事半功倍的效果，极大地激发学生的学习兴趣，增强学生对舞蹈动作的记忆，加深对舞蹈更深层次的理解，从而推动舞蹈课堂教学的顺利进行。
（五）音乐可以协调学生舞蹈的动作
音乐不但可以起到活跃课堂气氛，激发学生学习兴趣的作用，还可以协调学生的舞蹈动作，如果没有音乐，学生的舞蹈动作就只能依靠教师的指导以及自身的感觉来修正，但这对于初学舞蹈的学生来说，是有一定难度的，而音乐恰恰可以解决这一难题。因为学生可以随着音乐有规律的轻、重、缓、急音律来掌控舞蹈动作幅度，哪个动作需要舒展，哪个动作需要收缩，哪个部位需要动，哪个部位不需要动等等，让学生充分感受到音乐给舞蹈带来巨大魅力的同时，还协调了学生舞蹈的动作，又给学生带来美的享受，增强学生自信，何乐而不为呢？
（六）音乐有助于意境的展现
“意”是情与理的统一，“境”是形与神的统一，而意境就是这两种情态的统一，即意与境的统一。意境是在情景交融的基础上所形成的一种艺术境界，以意蕴、情趣取胜。舞蹈是“形动于外而精于内”的表情艺术，作为舞蹈的表演者应了解音乐和舞蹈的深层含义，从而激发内心情感，展开想象的翅膀，勾画出深邃的意境，即所谓“言有尽而意无穷”，使身体动作表现出深刻持久的艺术感染力。音乐作为时代气象与情境的描绘者，可以充分表现人的审美感受，是人类审美意识的一种特殊的表现形态。音乐在表现意境方面是无形的、丰富的、微妙的、动人的，音乐虽不能给人以具体美的形象，却能把人带入一种无形的美的境界，令人心驰神往、遐想万千；音乐还可以其强烈的感情色彩，打动人心、陶冶情操。
二、结语
音乐和舞蹈作为高职学校学前教育专业课堂教学的重要组成部分，两者密不可分，没有音乐的舞蹈，将会是黯淡无光的舞蹈，没有灵魂的舞蹈，只有将音乐和舞蹈完美的融合在一起，才能激发学生内在的情感，营造和谐的课堂气氛，调动学生学习舞蹈的积极性，掌握更多的舞蹈知识，并为以后从事幼儿教育事业打下坚实的基础，最终推动我国幼儿教育的快速发展。
论舞蹈与音乐的关系的论文 篇3
【摘 要】舞蹈音乐是舞蹈表演的重要基础和组成内容，舞蹈音乐结构也因此在很多方面影响着舞蹈表演。本文从舞蹈音乐结构和舞蹈表演之间的关系着手，论述了两者如何实现统一，实现舞蹈的完美表演。
【关键词】舞蹈音乐结构；舞蹈表演；编排关系
舞蹈从一出现便与音乐联系在一起。从国内外舞蹈艺术的发展历程来看，舞蹈艺术的进步和音乐的发展也有一定的关系，两者相辅相成，不可或缺。
一、舞蹈音乐段落结构和舞蹈段落结构关系分析
舞蹈和音乐虽然是两种不同的门类，但是在其发展过程中呈现诸多的相似性，即两者在段落结构等方面存在一定的关联性。舞蹈音乐段落结构的设置主要是为了促进乐思及形象的表达，不同的音乐段落结构能够从不同的角度来表达相同的主题，并使得主题的表示形式呈现多样化。而舞蹈段落结构的不同也有助于舞蹈内容的表现，使其展现出一定的情感，从而深化舞蹈的内涵。
二、舞蹈音乐旋律结构和舞蹈旋律结构关系分析
所谓的旋律是指舞蹈或者音乐表现过程中，作者以流动的时间形态来展现出来的自身的情思或感触，这种情思或者感触最终以音乐的高低起伏、音程的跳动而产生的音乐线条形式得到体现。同别的情思表现形式相比，旋律的表现形式具有一定的抽象性，并不能通过具体的含义来体现，而是通过五声、七音或者十二序列音乐曲表现。也正是因为这种原因，使得舞蹈创作者能够充分发挥艺术想象能力，通过不同的舞蹈形式来展示音乐的情思，使得两者能够相互呼应，形成一个完美的情思表现体。
舞蹈音乐给舞蹈创作所带来的动力效果主要可以通过三方面来表达：首先，音乐可以作为一种基本节奏和旋律伴随舞蹈始终，这种形式的关系是音乐烘托舞蹈表演全程，使得舞蹈能够有良好的表现主题，并从始至终引领着舞蹈的发展变化；其次，舞蹈创作可以把音乐作为主要对象，通过音乐来获取舞蹈的内容。这种形式的关系是舞蹈以音乐为基础，并以音乐的情思为舞蹈的表现情思，两者在表现主题上是一致的；最后，舞蹈家们可以通过音乐来获得创作灵感，展示音乐所激发的自我情感。音乐和舞蹈的这种关系是当前很多舞蹈创作的形式，编舞者根据音乐带来的情感启发，创造符合音乐心境的舞蹈内容，从而具有较强的感情基础。
根据上述情况描述，在舞蹈创作旋律方面可以总结为下述几个形式：一是演绎形式，即在音乐十分流畅的情况下，让编舞者随之翩翩起舞，舞蹈内容随着音乐节奏的变化而呈现相应的发展；二是对抗的形式，即脱离舞语，创造出同舞语相对的具有对抗性的形象语言，最后使得配合后的音乐和舞蹈形成一种鲜明的对比效果，这种形式的舞蹈创作旋律具有很强的表现感，能够从对比的形式实现主题的凸显；三是对话的形式，即把音乐仅当作一种烘托舞蹈的角色，然后有目的地配合舞蹈动作，让舞蹈可以充分的单独展现，这种形式的舞蹈创造是以音乐为起子，启发下一步舞蹈的发展方向，具有较强的连贯性；四是忽略的形式，即音乐和舞蹈彼此单独展现，互不干扰，这种形式的舞蹈旋律创造需要具备较强的情思，能够有效地将舞蹈和音乐区别开来，从而实现彼此的独立；五是变化式，即通过另一种舞语来代替原本音乐所阐述的某种舞语，最终来获得某种特别的效果，但是最终不管是哪一种方式，都是想通过音乐旋律来推动舞蹈所展示的情绪，最终又展示旋律的意义，获得旋律和舞蹈之间最协调的合作方式，完美地将舞蹈作品表现出来。
三、舞蹈音乐和舞蹈表演情感布局关系分析
舞蹈的结构往往很大程度上受到舞蹈音乐情感布局的影响，舞蹈音乐情感布局将直接影响舞蹈表演者期望表达的内容、情绪以及相关的表演时间和顺序，除此以外，也关系着段落结构跟主题思想。一般的群众自娱自乐性舞蹈，从整体而言，除了段落结构并不复杂外，整个舞蹈也只呈现一种情绪，所以它所呈现出来的情感是比较单一的，而仪式类舞蹈，情感的布局往往紧紧的配合仪式内容，舞蹈的情绪将随着仪式的变化而随之变化。比如逢年过节时候展现的节庆舞蹈、一些民间流行的驱魔舞蹈等等。
从舞蹈音乐和舞蹈表演的情感布局的复杂程度来看，舞蹈表演的情感布局深受音乐结构复杂程度的影响，一般而言，如果遇到音乐结构比较复杂的作品，舞蹈内容通常情况下也会随之变得相对丰富多彩，时而欢快时而忧郁，时而温柔时而激情，情感也相对而言比较丰富，它通常在舞蹈段落和段落之间，体现出一种特别的或是对比的情感，这也使得舞蹈表现呈现出较大的情感起伏，给观赏者以强烈的感官刺激。一些具有剧情的舞蹈和舞剧往往情感都呈多线索发展，除了段与段之间呈现变化发展外，同一段落也会夹杂着不一样的情感线索，特别是在交响性舞剧当中所展现的对比性尤为强烈，一般在创作舞蹈音乐的时候，往往会采用一些旋律的走向、和声的色彩、节拍的切割、音色的搭配、调性的转换和空间的创意因素来形象和帮助所要展现的音乐的情感内容。而当舞蹈音乐结构比较单一的时候，舞蹈表演内容和形式也趋于简单，简单的音乐结构背景下不大可能衬托复杂的舞蹈表演，否则将会使得音乐和舞蹈表现呈现出较大的反差，让观赏者觉得表现形式不一，主题不一致等反面效果。为此，舞蹈表演的情感布局要根据音乐结构的复杂程度来进行，不能一厢情愿的分割开来，使得两者不能实现协调和统一，最终破坏舞蹈的表演观赏性。
论舞蹈与音乐的关系的论文 篇4
摘要 健身舞蹈的发展过程中，由于大量吸收了舞蹈动作，使其内容和动作形式更加多样化，但在实践中我们发现，不少人对健身舞蹈的认识不够全面，甚至产生误解，混淆了舞蹈与健身舞蹈的关系，在实际运用中产生偏差。本人通过对舞蹈和健身舞蹈的理论研究，分析我国健身舞蹈的由来、发展以及在发展过程中的演变特点，并结合健身舞蹈群体进行一系列的调查，指出舞蹈与健身舞蹈的内在联系，为健身舞蹈的开展提供参考。
关键词 舞蹈 健身舞蹈 联系
一、前言
（一）健身舞蹈的认识现状
但传统健身项目的单一性已不能满足广大受众群体的需求，必定会产生出一些新的健身形式。而健身舞蹈就是其中之一，它是集健身与舞蹈于一体的新兴的大众健身项目，为大众群体参与舞蹈艺术和健身活动提供了一个新的平台。
为了促进健身舞蹈的发展，使其得到更好的普及和提高，正确认识和把握舞蹈与健身舞蹈的关系，以及在健身舞蹈中合理运用舞蹈动作，显得十分重要，体育工作者只有透彻了解它们之间的异同，才能更好的加以借鉴。
二、 研究对象与方法
（一）研究对象
舞蹈和健身舞蹈。
（二）研究方法
1．文献资料法：在图书馆检索了中国期刊全文数据库上发表的文章46篇，并对资料进行整理和归纳，为本研究提供理论依据。
2．问卷调查法：对社区健身舞蹈指导员、组织者、参与者进行发放问卷。
3．比较分析法：运用纵向和横向对比的方法，对所获资料进行分析。
4．访问法：对健身舞蹈指导员、舞蹈专家对舞蹈与健身舞蹈的内在联系相关问题进行访问。
三、 结果与分析
通过阅读了解到，目前研究此方面的文章较多，但就舞蹈与健身舞蹈间的内在联系的研究较少。健身舞蹈形成是以舞蹈为基础，随着社会发展的多元化，多学科的交叉而新兴的项目。它的兴起一部分源于普通人民对于舞蹈的爱好，将成形的舞蹈动作照搬，常呈现一种别扭的姿态，进行所谓的“健身”，舞姿较为严肃呆板，运动量较小。另一部分是人们采纳许多带有舞蹈特色的肢体动作，并以多种音乐、乐曲等独具时尚特点的快、慢节奏风格各异的音乐进行伴奏，将动作与音乐完美结合并使之个性化，从而与单纯性的舞蹈区分开来，形成既类似又不尽相同的全新形象。舞蹈与健身舞蹈的内在联系主要归纳为：
（一）对舞蹈目的的分析
舞蹈借助于人的身体动作，塑造人物和生活形象，表现人的社会生活和各种思想感情。舞蹈分为娱人性舞蹈和自娱性舞蹈两种。前者是专为娱乐别人的，由少数专职舞蹈家、演员进行表演，如芭蕾舞等。而自娱性舞蹈是民间大众为了自我娱乐而开展的身体活动，如民间舞、集体健身舞、交谊舞等，这些舞蹈有娱有乐，具有健身性。
（二）对健身舞蹈目的的分析
健身舞蹈是以健身为目的，以舞蹈动作为表现形式，以音乐为载体，被广大民众所喜爱和接受的集健身、健心、健体、益智于一体的一项有益的健身活动，含自娱性舞蹈的集体健身舞的成分较多。它的健身价值主要表现在完美自身形体、提高人体机能等。
（三）舞蹈范畴与内容的分析
从舞蹈的历史发展角度，舞蹈艺术分类成原始舞蹈、古代舞蹈、近现代舞蹈、当代舞蹈等等；从舞蹈艺术在社会生活中所发挥的功能来看，又可以分类成宗教舞蹈、社交舞蹈、自娱舞蹈、艺术表演性舞蹈，等等；从舞蹈的艺术题材来看，我们还可以做这样的舞蹈分类：独舞、双人舞、三人舞、群舞、舞剧、大型音乐舞蹈史诗，等等。
（四）健身舞蹈范畴与内容的分析
健身舞蹈的形成，一部分源于普通人民对于舞蹈的爱好，将成形的舞蹈动作照搬，通常呈现一种别扭的姿态进行所谓的“健身”，运动量极小。一部分是南美地区劳动人民群众劳动之余的一项活动，动作简单原始，音乐节奏单调，在其后期不断的发展中它们又逐渐采纳了许多带有舞蹈特色的肢体动作，并以多种音乐、乐曲等独具时尚特点的快、慢节奏风格各异的音乐进行伴奏，将动作与音乐完美结合并使之个性化，形成既类似又不尽相同的全新形象，成为在借鉴吸收趋势指引下成功把运动和舞蹈艺术手段结合在一起的体育新品种，所谓的健身舞蹈即产生了。目前健身舞蹈项目有以下几种：健身秧歌、有氧拉丁、健身街舞、形体芭蕾、慢四、快三等。
（五）舞蹈动作表现的分析
不同时代、不同国家和民族都有不同的舞蹈表现形式，如古典舞中的古典芭蕾舞，现代舞中的现代芭蕾舞、爵士舞、迪斯科、拉丁舞等，还有各种民族舞，如我国的西藏舞、新疆舞、蒙古舞、东北秧歌等，它们都具有动作性、抒情性、节奏性、流畅性、造型性和综合性的特征。舞蹈动作设计思想是为了反映现实生活、人物和事件，所以每一个舞蹈动作或一组、一段舞蹈都有实际代表意义。
（六）健身舞蹈动作表现的分析
表1、老年人跳完集体健身舞的平均心率
练习量度 平均心率
跳完一段健身舞 130次/分
跳完一支舞曲 128次/分
跳完两支舞曲 140次/分
从心率变化上来看，集体健身舞，伦巴和牛仔舞接近和高于广播操活动；狐步舞接近网球运动；华尔兹和探戈高于网球而接近羽毛球运动，快步舞和恰恰恰接近马拉松运动。由此可见，健身舞蹈要达到加速新陈代谢，改善和提高自身的心肺功能，达到全面提高人体机能的目的，在动作设计上就应以舞蹈为基础来推陈出新，将舞蹈的动作元素加以保留、提炼、加工、发展。所以，健身舞蹈动作设计时考虑的是锻炼的目的性、科学性、合理性，更注重动作本身，进一步强调健身舞蹈的健身性，舞蹈步伐、节奏、动作的选定更符合人体的生理需求，强度适中，属于有氧运动，更加符合科学健身的要求，使其真正成为一项集娱乐、观赏、健身于一体的全民健身活动。健身舞蹈注重内容编排的娱乐性和审美性，动作编排在本着简单易学，由易而难的原则基础上，要从绝大多数参与人群的审美要求和生理、心理特点出发进行创编。
四、结论与建议
（一）结论
舞蹈动作形式多样、内容丰富、风格各异，为健身舞蹈的发展提供了丰富的动作想象和动作素材，丰富了健身舞蹈的内容。按照事物从无到有，从简单到复杂的一般发展规律，那些与健身舞蹈相似的相关体育和艺术形式也都在不断地朝前继续发展，而这些周边相关形式的进步会给健身舞蹈带来更多的新信息和新思路。反之，健身舞蹈不断地从中汲取新的营养和灵感，将舞蹈进一步发扬。
（二）建议
1．对体育工作者的建议
在体育实践中，认识事物本质非常重要，对舞蹈与健身舞蹈的内在联系更深层次的理解，以便于有针对地、科学合理地创编动作。
2．对练习者的建议
练习者应提高对健身舞蹈科学性、合理性的了解，避免盲目模仿。
参考文献：
[1]秦晓松.试析国际体育舞蹈与人体美[J].体操.1992(2):181.
[2]席占田.论舞蹈的健身价值[J].中州大学学报.2001(4).
[3]董炎.从健身秧歌的编创浅析大众健身舞蹈的发展趋势[J].体育文化导刊.2006(8).
[4]黄欣加.体育舞蹈在我国的发展与对策[J].扬州职业大学学报.2006.(1).
[5]宋文利，罗庆逵，徐桂兰.再论新兴的体育舞蹈[J].体育学刊.2002(4).
论舞蹈与音乐的关系的论文 篇5
一、奥尔夫音乐教学法的简要介绍
奥尔夫音乐教学法主要包含了两方面的内容。其中一部分是练习节奏与旋律。节奏的练习主要是指练习的规则与姿态以及反应能力的练习，用声势进行节奏的训练，对节奏基石的提取和练习以及对于节奏进行引导、自编和补充练习等内容。而旋律方面则主要是指演奏歌曲或是乐曲、音乐乐器等其他乐器的演奏规则和方法，为歌曲伴奏，即兴演奏以及自编乐曲、欣赏教学、识谱教学等内容。另外一部分就是基本形体动作的训练，这主要是指动作训练、反应训练、舞蹈表演、动作的伴奏以及即兴动作和动作游戏等内容。
二、奥尔夫音乐教学法对幼儿舞蹈创编的影响
（一）对于舞蹈教学中节奏方面的影响
奥尔夫音乐教学法对于幼儿舞蹈教学中的节奏方面发挥了重要的作用。奥尔夫音乐教学法要求舞蹈的节奏清晰明确。由于幼儿的认知能力和自我控制能力都不强，幼儿在舞蹈的学习过程中，容易出现抢拍或是拖拍的情况，这就直接降低了舞蹈动作的整齐度。而奥尔夫音乐教学法则要求舞蹈教学中，选择节奏鲜明清晰的音乐，从而在强重音的刺激下，唤醒幼儿的记忆功能。幼儿对于音乐的节奏与旋律记清了，他们在舞蹈的学习过程中就轻松很多。奥尔夫音乐教学法要求舞蹈教学选择旋律易记的音乐，这样也可以缓解幼儿紧张与焦虑的情绪。
（二）影响舞蹈教学中听力能力的培养
奥尔夫音乐教学法还影响着舞蹈教学中幼儿听力能力的培养。奥尔夫音乐教学法是一种将原本性音乐与动作和舞蹈紧密结合在一起的一种教学方法。它能够有效调动幼儿的听觉神经，让幼儿学会倾听、辨别甚至是想象各种生活中的不同的声音，从而能够帮助幼儿在舞蹈的学习中有效提升他们的听力能力，使他们更迅速地做出相应的反应。
（三）肢体训练之于舞蹈创编的意义
奥尔夫音乐教学法强调肢体的训练。比起传统的音乐教学重理论知识的特点，奥尔夫音乐教学法则主要是注重幼儿的实际训练。因此，肢体训练便成了奥尔夫音乐教学法的重要特点之一。奥尔夫教学法中的肢体训练，有助于舞蹈创编。舞蹈创编是一种以人体动作为“语言”的艺术形式，而奥尔夫音乐教学法就是充分调动幼儿舞蹈时的各种肢体语言与动作，从而保证他们快速地将教师所教的内容吸收并牢记在心。因此，奥尔夫的音乐教学法对于舞蹈创编是有着积极作用的。
三、奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的具体应用
（一）契合舞蹈主题
奥尔夫音乐教学在幼儿舞蹈创编中的具体应用，首先表现在教学法要契合舞蹈的主题。在幼儿舞蹈创编中，要与具体的舞蹈主题相契合，这是奥尔夫音乐教学法的本质所在。奥尔夫音乐教学法是汇集了演唱、演奏、舞蹈、朗诵以及表演于一体的一种教学方法。因此，契合音乐的主题是基础。这也是奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的具体表现。
（二）节奏训练
奥尔夫音乐教学法强调节奏的把握，这对于幼儿舞蹈创编是非常关键的。奥尔夫认为音乐是一种回归人性、回归自然的音乐，它主张幼儿去倾听以及辨别，并在此基础上进行想象。因此，对于节奏的训练就显得尤为重要了。只有对音乐的节奏把握清晰了，才能在倾听音乐的过程中更准确地辨别区分。而舞蹈创编过程中，注重了节奏的训练，有助于舞蹈创编的顺利完成，并且还能确保舞蹈的旋律与节奏不出错。奥尔夫音乐教学法对节奏的重视，就为舞蹈的创编提供了不少的帮助。奥尔夫音乐教学法主要是坚持人本主义，教学以幼儿为中心，让幼儿正确把握音乐舞蹈的节奏，从而更有效地学习。这就有效解决了舞蹈创编中对于节奏训练的要求，因而获得广泛应用。
（三）增强想象力
奥尔夫音乐教学法要求幼儿学会倾听，学会想象，能想象出各种不同的声音，如身边人的声音、来自大自然的声音等。通过幼儿对不同声音的倾听，可以增强幼儿的想象力。幼儿在舞蹈学习过程中，会对所听到的音乐给予一定的肢体反应。这个过程便是幼儿在听到的声音之后，然后经过大脑的想象，从而给予了肢体上相应的动作的配合。而想象力对于舞蹈创编是相当关键的，只有增强想象力，才能更好地运用在舞蹈创编中。奥尔夫音乐教学法恰好实现了想象力的加强，因而在舞蹈创编中获得了广泛的运用。
（四）感情升华
奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的应用，除了通过契合舞蹈主题、节奏训练以及增强想象力等三方面的内容来体现，还需感情的升华。无论是何种音乐，没有感情作基石，那么它就不是好音乐。对于舞蹈也是一样，若是舞蹈不能打动人心，不放感情在其中的舞蹈是没有任何生命力的。而奥尔夫音乐教学法注重幼儿感情的激发，让幼儿用心去跳舞。通过引导幼儿倾听、辨别以及想象，可以激发他们对音乐的反应能力。在想象的过程中，幼儿的感情也随着音乐一同起伏，最终达到感情升华的效果与目的。在舞蹈创编的过程中，只有将感情注入其中，才能编出更有生命力与活力的舞蹈。因此，奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中所发挥的作用才会越来越大。
四、结论
通过本文关于奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的应用，我们了解到奥尔夫音乐教学法对舞蹈创编中的节奏、听力能力以及肢体动作等三方面发挥着重要的影响作用。而奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的具体应用则是表现在音乐主题的契合、节奏的训练、想象力的增强以及感情的升华等多方面。相信通过本文的分析，有助于帮助我们对于奥尔夫音乐教学法有更深一层的认识。
论舞蹈与音乐的关系的论文 篇6
一、印度音乐神奇的旋律与节奏
印度音乐源远流长，至少有3000年历史。印度文化的多样性特征、印度艺术同宗教千丝万缕的联系、印度艺术与原始思维的密切联系等等特点都在音乐中体现出来。印度音乐具有以下四个主要的特征：多样化的统一;象征性;大众化与实用性;独特的调式、旋律与节奏。
印度音乐的多样化首先表现在历史的过程中，不断融合了各民族的音乐元素。最初生活在印度土地上的达罗比荼人就有本民族的原始的音乐和舞蹈，以后陆续进人印度的有雅利安人、希腊罗马人、蒙古人、突厥人、伊朗伊斯兰人和近代进人的荷兰人和英国人等都带来了自己民族的音乐，在印度现代音乐中，可以发现各民族的音乐元素和特征，这些共同构成了印度音乐的总体特色。其次，印度从古代起，音乐就因为种姓的区分而划分为民间音乐和宫廷——贵族音乐；由于印度地理的复杂性，又导致了不同地区又有各自的部族的音乐。例如，在印度古典音乐中，就有南、北音乐之分;现代社会中，又有现代北印度音乐和南印度古典音乐以及现代流行音乐之分。再次，印度音乐就发音方式而分，还可以分为用手指弹出的音乐、在某种皮膜上敲击出的音乐、用气吹出的音乐、金属撞击发出的音乐和人类的喉咙发出的音乐等，这些发音分类又在不同民族和不同地区形成了各自的音乐演奏系统。与此相联系，古印度音乐学家哈瑞纳亚克（Harinayak)还把声音分为三种：即生物之声，如人声;非生物之声，如乐器;生物与非生物结合之声，如竹笛。上述这些多样化的因素又统一在“印度音乐风格”的旗帜下，形成既不同于西方音乐，又不同于东亚、西亚音乐的“印度音乐”。
印度音乐具有鲜明的象征性特点。在印度古代的音乐典籍《音乐论》(SangitMakaranda)中，作者纳拉达（Namda)就说:是七位圣人分别在七个岛上、在不同的时间中创造了七种不同的声音（Nadas)，这七种声音代表七个不同的神灵，它们与不同的色彩相联系，各自象征不同的色彩。这说明每一乐音有其各自的象征意义和功能。.在桑拉伽?德瓦（SarangaDeva)写作于1247年的音乐著作《夜晚的音乐》（SangitRat-nakar)中记载:印度音乐中的三种不同的调式，即主调音阶、下属调音阶和中音音阶是大梵天、毗湿奴和湿婆三位神灵占卜用的数列。上述三个音阶分别配属于每一天不同的三个时段：主音音阶适用于上午；下属音阶适用于中午；中音音阶适用于下午。这三个音阶还与不同的季节相联系：主音音阶适用于晚秋的秋收季节;下属音阶适用于夏季；中音音阶适用于雨季。印度音乐以旋律为主体，旋律以线性式的结果不断向前延伸，乃至于无限地发展变化。威尔?杜兰说：印度音乐的“旋律一方面是有限的，一方面却又无限。”
“印度的音乐家如像印度的哲学家，他从有限开始而把‘灵魂放入无限’”。而“通过有限去追求和表达无限”正是印度思想的核心和特点。印度民众都相信音乐独特的神秘的力量，音乐家根据不同的调式（中文又译为“曲题”）组合成不同的旋律结构，这种结构主题又被命名为不同的名称并赋予它们不同的象征性功能。“每一主题都用它所要表出的情意来命名——‘清晨’，‘春’，‘沉醉’……等——并且和一日或一年的某个特定的期间有关联。据印度传说，这些曲题具有玄妙的力量，据说有一位孟加拉的舞蹈女郎唱了一回‘喜雨题’(Meghmallarraga)而中止了一次旱灾。这些曲题由于年代久远而具有一种神圣的力量，演奏者必须忠实地遵循它们，好像当作湿婆是所创造的形式一样。此外，古代印度音乐理论常把从音符2(1{3)3(]^)4^￡1)5(301)6(La)7(Si)到l(Do)的7个音与日月星辰、季节气候、禽兽鸣声、人的不同年龄以及各种颜色等相匹配、比拟，同时还以相关的调式来象征这些事物的存在和特点。例如，把上述7个音分别象征为、比喻为月亮、水星、金星、太阳、火星、木星、土星；或比喻为孔雀、牡牛、山羊、苍鹭、杜鹃、马、大象的鸣叫声。这一切都表明：印度音乐理论所竭力要说明的，不是音乐本身的规律或方法，而是为了证明某种哲理，解说某种真理。例如，在印度佛经《长阿含弊宿经》中，有一个运用音乐演奏的事例来说明佛教哲学关于事物的真理是“和合而成”的道理，其目的不是解说音乐本身，而是取譬喻理来说明佛教哲理，迦叶说：“诸有智者以譬喻得解，今当为汝引喻。昔有一国不闻贝声。时，有一人善吹贝，往到彼国，人村执贝三吹，然后置地。时，村人男女闻声惊动，皆就往问：‘此是何声，哀和清澈乃如是耶？’彼人指贝曰：‘此物声也’。时，彼村人以手触贝曰?/汝可做声，汝可做声’。贝都不鸣。其主取贝三吹置地。时，村人言：‘向者美声非是贝力，有手，有口，有气吹之，然后乃鸣。’这则故事旨在说明美和美感是人与贝螺两者因缘和合而成的道理，并不在于讲解音乐本身的理论。上述例证充分地说明了印度音乐的象征性。
印度音乐是大众化的实用性的音乐。印度音乐起源于古代人类为了生存而进行的实践活动中，原始宗教的巫术活动、祈祷仪式、民间节日庆典等则是其主要的表现方式。在这些活动中，诗与歌、音乐与舞蹈都在宗教仪式中融为一体，都是表达生存意愿和宗教理念的方式。这些活动原本都是群众性、大众性的活动。人们在这些活动中，既是表演者，又是欣赏者，音乐舞蹈是印度人生活内容中的一部分。“音乐在印度人民的宗教生活、艺术生活及社会生活中起着极其重要的作用。鉴于印度音乐是从劳动号子和农业歌曲到那些伴随人一生重要事件（诸如诞生、人社、婚嫁和死亡）的音乐，是人们日常生活劳动中不可或缺的组成部分，因而大部分印度音乐可称为实用音乐。从印度古代音乐的传播方式看，其传承方式本身就是全民性的、大众化的。尽管印度音乐的乐谱可以用梵文字母书写，但通常它们不是被写录下来的。音乐是民众一代又一代借助师徒之间或家庭内部的口授和耳听的方式记忆下来的。
印度音乐的实用性最充分地表现在宗教活动中，由此也导致了音乐的神圣性特点。早期，雅利安民族的《吠陀》诗歌就是咏唱的赞美歌，它有非常严格的声调、曲律规则，加之原始的《吠陀》语言有一个重音体系，每一个重音的不同位置都和意义相关。在《梨俱吠陀》和《耶柔吠陀》朗诵的传统中，至今都还有很多关于重音和曲调等音乐性的解释的证据。婆罗门在传授《吠陀》经典时，有一整套严格的发声训练和咏颂方法，这种传统一方面导致了印度诗歌音韵学的发达，另一方面决定了印度音乐具有严格的承传性、丰富的旋律性和不间断的线性发展模式。印度音乐除了上述宗教上的实用性外，还具有神圣性的特点。传说，有一个名叫纳拉达（Narada)的演奏者由于在演奏时漫不经心，被护法神送进了地狱，他看到一些断臂缺肢的男女在哭泣，护法神告诉他，这些人就是他在胡乱演奏时被他所扯裂得残缺不全的曲调。纳拉达非常震惊。从此，纳拉达的演奏就非常完美了。音乐的神圣性还表现在音乐的起源上。据印度神话，音乐为天神所创，天神的本性是完美，天神的音乐就是他完美的本性的显现，音乐的神圣性就在于此。不仅如此，在日常的生活中，印度民众还创立了“音乐瑜珈”。它借助特定的调式和起伏的旋律及不断地重复甚至于借着一种有催眠性的单调音符，创造了一种音乐性的瑜珈，而顿忘了意志、个性、物质与时空，灵魂被提高到一种与某种‘深度渗合’的东西达到神秘结合的境界，那是某种深沉、巨大而安祥的存在体，某种原始而周遍流行的真实，微笑地俯视着一切挣扎的意志、一切的变化与死亡。
印度音乐有独特的调式、旋律和节奏。印度音乐理论中的“乐音”（纳达，Nada)按不同的发音方式分为前面已说明的5种类型。“纳达”一词意为“生命中存在着的火焰”。“火”是组成世界万物生命存在形式的五种（地、水、火、风、空）最基本的原素之一。火是指生物尤其是人体内部的热量或火气，转义为万物的激情、情绪。这种激情通过喉咙迸发出声音，所以声音就是激情的表现，各种不同的声音就构成了音乐的情、味（msa)。这说明印度人很早就把声音和情感紧密联系起来了。在音乐中，纳达按音频的高低被分成了不同的组。从一个音开始，到该音的再次出现为一组，由于每组的高低不同，每组被赋予了不同的名称。处在低音区的叫做“曼德拉”（Mandra)，处在中音区的叫做“玛德雅”（Madhya)，处在高音区的叫做“塔拉”(Tara)。在印度音乐中，“拉格和塔拉是印度古典音乐的两大要素。“拉格”一词源于梵语词根ranj，意谓色彩或带有感情色彩。音乐中的“拉格”近似于由调式而产生的基本音阶或音调体系，也可以理解为旋律。在13世纪成书的《乐舞渊海》中，拉格的总数达264种。这决定了印度音乐的复杂性和多变性。调式和拉格相结合就产生出特定的情味。这大概是拉格在音乐中具有优先地位的原因。所谓“塔拉”（Tala)即节拍、节奏。塔拉是用段、节计算。印度音乐中的塔拉由于各地音乐的差异而显得相当复杂，极难掌握;演奏中常用不均等节拍。但塔拉在音乐演奏中的作用非常重要。
印度音乐的音阶、音律也是十分丰富和特别的：有五声音阶、七声音阶，还有类似阿拉伯音乐的增二度音阶等等。“印度音乐主要是基于曲调和节奏，而西方所知的和声与复调则和印度音乐一点关系也没有。绝大多数印度音乐具有调式特征:它通常用一个建立起参照性固定结构的低音部作为伴奏，并排除那些在西方音乐中最有特点的调性变换。”[3](P311)印度和西方的大多数音乐理论家都认为，印度音乐中的一个8度音阶是由22个微分音（即“斯如梯”，Sruti；每一个“斯如梯”是四分之一个音，Quarta-tone)组成。这与西方音乐中的十二平均律的每一个8度中含有12个半音不一样，也就是说，在印度音乐中，音与音之间的距离要小得多。十二平均律中的一个大二度可以分为4个印度音乐中的“斯梯如”。印度音乐中有大量的滑音，其间就有众多的“斯梯如”成分；加之古代有许多弦乐器是无“品”的，这对于表现滑音和产生较多的斯梯如是十分有利的。由于斯梯如在音阶中的重要作用，导致了印度音乐在旋律和风格上的独特性。印度音乐作为一种调性音乐，七个音符的重要性是不同的，其中有的音符是骨干音符，而另一些则是装饰音符。骨干性的音符称之为“阿姆沙”(Amsa)，由“阿姆沙”构成旋律形态，这种旋律形态叫做“那亚沙一斯瓦拉”（GrahaSwam)。旋律形态分为上行的或下行的，每首乐曲都要是以基本的旋律形态开始的，可以不断连接不同的旋律形态，由此旋律就无限地延伸。有的旋律呈波浪形发展，有的呈螺旋形变化，加之大量的装饰音以及节奏上的不断变化，使人感到印度音乐旋律的时隐时现、神出鬼没、无穷变化。千百年来，印度音乐的旋律得到了最充分的发展。
现今的印度音乐分两大体系：北印度体系是波斯、阿拉伯音乐和北印度本土音乐融合而成的体系；南印度音乐以宗教内容占主导地位，在演唱、演奏时乐音的颤动、滑动的速度较快，即兴的成分相对较少。总体上讲，印度音乐是植根于印度古老文化土壤中的奇葩异草。它无论在形式中、内容上和审美的风格上，都显示出了独特性。20世纪印度诗圣、作曲家、画家泰戈尔曾将印度民族音乐同西方音乐进行过有趣的比较。他认为，“我国的音乐在某些方面与欧洲有着根本的区别。乐调则是我国音乐的主要支柱。欧洲重视丰繁，而我们关注一致。……我国的音乐力图抓住其中的那首歌。它深沉、神秘、协调一致。它沉寂于天际，冥想中可以获得。与奔驰的丰繁同步前进，是欧洲的风格。聆听、关注永静的和谐，使自己心平气和，是我们的特性。“欧洲音乐仿佛同人类实际物质生活奇特地纠缠在一起。正因为如此，那儿的旋律被绑絷在所有的事件和描绘的基础上。在我国，曲调若那样表现’它也会奇特无比，但它就没有任何情味了。我们的歌曲仿佛超越日常生活的包装，因为它们具有如此‘慈悲’，如此‘出世’，它们仿佛显示着浩渺的宇宙自然，表现人类心灵的最深处不可言喻的神秘莫测的图画。“我好像觉得，白天的世界像欧洲音乐——它的和声与非和声在宏大的和谐进行中相互转变;黑夜的世界像印度音乐——纯正的、自由的旋律，低沉而强烈。……我们印度人是在黑夜的统治之下。我们沉浸在永远不变之中、一体中。我们的曲调是独自一人时唱给自己听的，它们使我们离开那个日常的世界，冷漠地进入孤独之中。欧洲音乐是为大众的，它带着我们前进，跳着舞，徘徊于人们的悲欢之中。只要细细品味，就可以感悟到泰戈尔的上述看法是非常深刻而精到的。
二、印度舞蹈的美学特征
同音乐一样，印度舞蹈也具有久远的历史。公元前三千年前的莫享焦?达罗古城遗址就出土了舞女的雕像;雅利安人进人印度后，舞蹈成为宗教仪式和生活内容的不可或缺的部分。例如，节日庆典、结婚、人的出生、乔迁新居、播种、收获等都以舞蹈来表情达意，欢庆生活中的种种喜悦。在《梨俱吠陀》中就有人们以舞蹈来取悦于神的诗句;从早期佛教到中世纪印度教的雕刻和壁画中就可以看到大量的舞蹈造型艺术。在南印度的西当巴朗（Cidambaram)舞王湿婆神
殿的墙壁上，就刻有122幅健舞的姿式，它们相当于古代的舞谱，是南印度舞蹈所制定的标准动作或规范。印度教的三大神之一的湿婆就被人们尊崇为“舞蹈之王”，他以舞蹈来创造或毁灭世界，以他各种形态的舞姿造型的雕像至今都极为普遍。在古梵文的典籍中有著名的《舞论》，它专门探讨戏剧的结构和舞蹈表演中的表情与韵律。在当代印度舞台上居领导地位的、也是最受人们欢迎的古典舞蹈形式是泰米尔纳杜邦的婆罗多舞（BharataNatyam)、奥里萨邦的奥蒂西舞(Odissi)、嘻拉拉邦的卡塔卡利舞（Kathakali)、安得哈拉邦的库奇普第舞（Kuchipudi)、拉克和齐浦尔邦的卡塔克（Kathak〉舞、曼尼普尔的曼尼普利舞（Mannipuri)等。此外，其他还有各种各样的民间舞蹈共同展现出印度发达的舞蹈艺术。印度舞蹈有两个突出的美学特点。
第一，宗教的象征性。印度神庙中的舞蹈雕刻是凝固的姿态艺术。但在古代，印度寺庙里确实存在过在宗教仪式中专门用来娱神的舞蹈女。她们是最早的舞蹈艺术家。在古代的宗教仪式中，诗与歌、歌与舞蹈融为一体。因此，舞蹈同诗、歌一样是宗教崇拜的神圣的形式。这些舞蹈不仅仅是为了展露美丽的肉体和迷人的姿态，而主要是模仿神的创造世界与毁灭世界的过程;模仿神的神奇的动态和优美的身姿；模仿宇宙生命的颤动和生命的节奏和韵律。在这种舞蹈中，舞蹈者身体的每一个动作、手、臂、腿、脚、身肢、眼神都要表达出特定的神性的象征性的含义。20世纪印度著名的舞蹈家印德拉尼?拉赫曼就是这种“神舞”的表演家并贏得了世界性声誉。古代印度民族在农耕和狩猎等生产劳动中、在宗教仪式中就积累了大量的关于手势语、形体语和眼神语等等表情达意的方法和语言形式，这些形式逐渐凝固下来，成为本民族通用的或都能够理解的一种特殊形式的语言。这些特殊的语言符号为造型艺术提供了丰富的肢体语汇，并在造型艺术中凝固下来，保存至今。例如佛教就有分类非常细致的“手印”（手语）和坐、立等形体姿态语言，其中著名的有“无畏印”、“施与印”、“召唤印”、“拈花相”、“智慧印”、“指针印”等。中世纪时，印度教发展了手语、眼神语和形体语传统，更加广泛而细腻地对这种语言加以分类，赋予它们更充分的表达力。可以说，印度舞蹈把人的肉体动态之美表现得淋漓尽致，使人的肢体成为最美和最自由的形式，尤其是双手的无穷变化，使它们成为肉体的花朵。这种丰富的、多种多样的肢体语言，不仅超越了人类对有声语言的依赖，而且其表达能力甚至可以不借助音乐、诗歌而传情达意。正因此，导致了印度舞蹈语汇的象征性、含蓄性，使其更具有情味、滋味，更富于言外之意。
第二，叙事性。印度舞蹈产生于民众的生活中，发展于宗教活动中，这就决定了印度舞蹈所表现的主题与题材的叙事性特点。印度舞蹈表现的题材大多数为神话、传说中的经典故事或其中的片断。大史诗《罗摩衍那》、《摩诃婆罗多》以及黑天的爱情故事是印度舞蹈取之不尽的题材。史诗曲折的充满情味的故事情节也就决定了舞蹈表演的叙事性特点。在印度舞蹈的基本形式中，有一种叫做“努意雅”(nryttya)的舞蹈就是对主题做出直接的陈述;另一种叫做“哈斯塔斯”(hastas)的舞蹈其特点是:舞蹈者的每一个动作或手势都代表一句话，一个字或一种观念。这些手势、姿态、眼神和肢体形态同音乐结合在一起，就形成了一种叙述性的“语言”。人们在观赏过程中，可以从舞蹈者的指尖中看出“话语”，从舞蹈者的凝眸微笑中领悟到某种特定的情感信息。著名的“卡达卡利舞”就是叙述《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》和《往事书》故事的舞蹈。
印度舞蹈的上述特点与印度古典美学思想有高度的一致性，它以表现“情味”为艺术目的，以宣扬宗教精神为己任，在舞蹈者不断的形体变换中，在丰富复杂的音乐节奏的转换中，让人们去领悟到宇宙生命和人的生命的脉搏所产生的共振，由此达到梵我同一的理想境界。
论舞蹈与音乐的关系的论文 篇7
一个舞蹈作品的成功，它的几个先决条件中，不可缺少的一个主要方面是需要有成功的舞蹈音乐。一个特具匠心和技巧高超的舞蹈作品，如配上一部平庸无奇的舞蹈音乐，那将是一件大失所望的憾事;真不异于一朵鲜花插在牛粪上。舞蹈音乐的优、庸，在很大程度上的确是一个舞蹈节目成功与否的先决条件。下面就以本人在舞蹈音乐创作实践中感受到的一些粗浅心得表达出来，以供业余作者在实践中作为参考。并愿得到同行们的关心和指正。
形象鲜明、风格独特的音乐主题;如果舞蹈音乐没有一个形象鲜明、风格独特的音乐主题，那么很可能这个舞蹈作品将是杂乱无章的。这与写小说和编剧本一样，是个立主脑的头等大事。音乐主题是为了统领整个舞蹈作品而浓缩成的一个音响基因。说它是基因，因为它是表达和演绎作品的最小音响单元。它既界定了作品的风格、地域，以至时代等等方面;又要在具体的谱写中，将这个音乐主题渗透到每个章节之中，甚至渗透到每个细节之中。只有这样，观众的心路才能跟着似乎耳熟的音乐语言深入其境，同时随着演员的肢体语言，而产生听觉和视觉上高度统一的艺术效果。
精心提炼、准确无疑的动作性;舞蹈音乐的动作性是舞蹈音乐与其它门类音乐作品最具个性差异的所在。曲作者如果根本就没有考虑过音乐的动作性，没有考虑过肢体动作的逻辑循环性，尤其是群舞场面，如果没有所有表演者都能分辨得出的节拍;这个节拍不仅是谱面上分得出来，更要在听觉上分得出来，也就是说，如没有不仅是乐理上说得通的，更应该是心理上感觉得到的经过精心提炼，准确无疑的动作性很强的节拍、众多的表演者心中就不能踏实;动作就不会自信;情绪就难以饱满;当然画面也就更难整洁。甚至还可能给观众带来南辕北辙，难以承受的错乱感觉。进而言之，这种可辨的节拍，又不是机械化的，如仅是机械式的节拍组合，它将可能又成为了健身操音乐，或是集体舞的音乐了。
舞蹈音乐创作过程中，在考虑音乐动作性的同时，还不能忽视舞蹈动作的表现力度。音乐一定要给舞蹈动作以明确可靠的支点。要是一个坚实的舞蹈动作碰上了一组纤柔的弱音;或一种优雅的舞蹈姿态遇见了一串坚实的旋律，真是一件令人无所适从的事了。当然，创作舞蹈音乐的过程中，在考虑音乐与肢体动作如果紧密结合时，在注意音乐本身的力度表现外，更要注意到配合好舞蹈语汇中刚、柔、静的逻辑性很强的循环节拍和激情奔放的自由节拍，以及此时无声胜有声的休止等等方面。这些就不多说了。
清晰可信、亲临其境的场景;场景音乐在任何器乐作品中都是必不可少的段落，但是在舞蹈音乐中又多了一层要求:那就是要求它既要把规定的场景表达得一览无遗;又要它适宜于用舞蹈动作来共同表现。也就是说舞蹈音乐的场景乐段必须也要好跳。这是一个不容置疑的前提，所以就不多说了。但是场景乐段在舞蹈中的重要性却是千万不容疏忽的。因为舞蹈与歌剧、戏曲、电影、歌曲不同;一般地讲，它没有必要用文字来为场景作注解。所以说舞蹈音乐的场景乐段，尤其要下工夫，当然啰，场景乐段的写作，除它本身的旋律风格之外，乐队配器上的色彩和特色乐器的运用也是重要的手段。
撩人欲动，神情兼备的节奏型;节奏型在很多情况下是舞蹈音乐的内核。那么在创作舞蹈作品中，如何将节奏型写得有声有色，真正做到撩人欲动，神情兼备的程度呢?我个人的做法是在音乐主题确定之后，并在音乐主题经过了多侧面的延伸和发展的情况下，再在这样的旋律基础上寻找具有独特风格的逻辑重音，进而凝炼成可以循环出现的节奏。在理性上这么说还比较明了，但在感性上这样做的时候，那就得靠自己对旋律的解剖能力，对作品入木三分的理解程度和对千变万化的无数种节奏的感觉。这里除各人的悟性外，还有一个实践出真知的问题。所以说，也并不神秘。总之，舞蹈音乐中，靓丽的节奏型往往会使音乐旋律光芒四射，会使舞蹈动作更为鲜活。
以上所谈的舞蹈音乐创作中的一些要点，虽然没有搬出许多的大道理;而且也不全面，仅是自己创作实践中的一些亲身感受。对于有志于舞蹈音乐创作的同志，不知能否起到一些借鉴的作用?群众文化的蓬勃发展，使得舞蹈作品的创作，需要更多的音乐创作人员去涉及舞蹈音乐的创作。创作各种类型的舞蹈音乐是一件大有可为的事情。
【论舞蹈与音乐的关系的论文（通用7篇）】相关文章：
舞蹈与音乐的关系11-04
音乐与体育舞蹈的关系分析论文06-21
舞蹈音乐的结构及其与舞蹈表演的关系论文07-09
中国古典舞蹈看舞蹈与音乐的同构关系论文06-21
艺术硕士备考：舞蹈与音乐的艺术关系10-02
舞蹈与音乐的互动论文07-07
神奇的印度音乐与舞蹈论文06-30
舞台实践与舞蹈教学的关系论文07-30