浅谈美声唱法

时间：2022-10-29 11:54:54 观民声乐培训我要投稿

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浅谈美声唱法

　　高中时期我曾受一位读音乐的朋友影响，于是对美声唱法有了一些初步的认识，而且对这种唱法有很大的兴趣。暑假的时候我还曾找了一位声乐老师上了一些声乐课，加深了我对美声唱法的认识。我发现，我越是接触这种博大精深的唱法，就越是被它吸引。那么，到底美声唱法是什么呢?下面是小编精心整理的浅谈美声唱法，希望对大家有所帮助。

　　美声唱法来源于意大利语“bel canto”一词，意为优美的歌唱。美声唱法实际上是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的。从文艺复兴以后逐步形成美声唱法。当时的西方音乐更多是建立在多声部的教堂音乐、复调音乐基础上，唱法本身脱离不了宗教音乐的影响。歌剧的产生是美声唱法形成的直接原因，最初的歌剧以阉人代替女声来唱，由女中音代替男中音来唱，随着歌剧剧情的发展，一些情感激烈的戏剧性唱段，阉人的歌唱满足不了表达剧情激烈发展的需要，于是歌唱家们努力探索、钻研、改进自己的唱法，以适应剧情的需要，这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。

　　美声唱法不同于其他歌唱方法的特点之一，是它用了比其他唱法的喉头位置较低的发声方法，因而产生了一种明亮、丰满、松驰、圆润，而又具有一种金属色彩的，富于共鸣的音质;其次是它注重句法连贯，声音灵活，刚柔兼备，以柔为主的演唱风格。

　　美声唱法的创始人G·卡奇尼在他的《新音乐》的序言中介绍了这种演唱方法。继而18世纪的P·F·托西、G·曼奇尼、19世纪的F·兰佩蒂、M·加西亚等又著书作了详细阐述。美声唱法在演唱技术上的特点如下：

　　呼吸要求有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力，主张胸腹混合式的横膈膜呼吸法，正确的呼吸方法是良好发声的基础。

　　起音美声学派把轻松、明亮、准确、圆润的发音，看作是正确发声的关键。是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本的手段，起音分软起音和硬起音两种。良好的起音应以最少的消耗取得最大的效果。在良好起音基础上的演唱，可以使声音有弹性、有持久力、节约声带和体力消耗，延长演唱寿命。

　　声区声区的统一是美声歌唱训练中的试金石，美声唱法取得声区统一的主要方法是：强调唱好各声区间的“过渡音”，就是唱上行音阶时，要把前一个声区的最后3个半音唱得稍带下一个声区的特征(即虚些、假些、暗些)：唱下行音阶时，较高声区的最后下行的3个半音，要唱得稍具较低声区的特征(即实些、真些、亮些)，这样逐渐的变化过渡就可避免由于从这一声区到另一声区的突变而产生的破裂音。

　　声音的连贯是气息流畅和喉头稳定、共鸣良好的反映，又是美声歌唱的旋律线条优美动人的主要特点。

　　音质、音量美声学派注重追求圆润、明亮、优美而抒情的音质，它十分重视在一个单音上渐强渐弱的控制能力的训练，这不仅是训练呼吸控制和音量变化的能力，而且还可使声音松驰富有弹性，音色有多样变化，以丰富艺术表现力和促使声区的统一，声音的渐强渐弱主要是依靠气息来控制。用有气息支持的轻声来唱高音也是获得“头声”的良好途径之一。

　　灵活性用快速的音阶、琵音、跳音或装饰音练习，或用花腔的华采段来训练歌唱者声音的弹性和灵活性，是美声学派教学中的一个重要内容。它可以促进声音松驰而富青春活力，有利于延长演唱寿命。

　　微颤歌唱中正常的微颤应是每秒钟6-7次，过快或过慢都会破坏声音的连贯或造成不悦耳的音质，歌唱中微颤的快慢又与歌曲内容及情绪有关，激动时快些，宁静时慢些，平衡些，它又是一种强有力的艺术表现手段。

　　以上就是美声唱法的概念和主要特点。其实我们的歌曲的主要唱法除了美声唱法外，还有民族唱法和通俗唱法，每种唱法都有其自身的特点，那么他们与美声唱法又有什么区别呢?

　　一.美声唱法与民族唱法的界限

　　我想可以从唱法训练和共鸣的不同这两方面来区分。第一，唱法的训练：如果全面地考虑世界艺术歌唱，这唱法上的区别，是指唱法本身嗓子的力量及其真假声的比例是什么状态，要混合到什么程度，是以真声为主还是以假声为主。第二，共鸣的不同：美声唱法是全共鸣，有些唱法只用部分共鸣，有的不需要唱到那么高，有的不需要唱到那么低，共鸣腔体的运用，用上部、用下部、用中间，这是区别唱法的几个方面。美声唱法是混合声区，混合共鸣，声音真假混合，共鸣同时出现。有的唱法共鸣用得比较暗。美声唱法唱歌剧时后边咽腔和鼻咽腔用得多，唱音乐会的后边用得少，到高音也不掩盖。这些唱法虽然都叫美声，但是唱不了歌剧，虽然都是专业的，唱法上的区别也很大。在国际比赛中，常遇见这种情况，有的参赛者的歌剧选段唱的非常好，到唱艺术歌剧时，就完全不对了;或者艺术歌曲唱得非常有味，很正，但歌剧选曲唱不好，这些情况都不能入眩唱不同的作品要在唱法上有细微的变化，才能适应作品的需要。另外，在世界上各种唱法就更多了，但不外乎嗓音的使用方法和共鸣的组合法的不同，这两方面各种组合的可能性都有。艺术的歌唱包括很好的民歌，好的歌唱者都是根据所唱的作品选择唱法。从另一个角度考虑歌唱中语言的位置，元音的位置不同所产生的共鸣也不同。有些唱法希望保持元音的位置不变，从低到高保持元音不改变，保持共鸣的统一，甚至唱华彩部分，咬住原有元音不改变，绝不允许到高音用a来代替原有的元音。

　　二.美声唱法与通俗唱法的概诉

　　多年以前直至今日，我们不少人都把美声唱法与通俗唱法截然区分开来，把它们弄得界限分明。但其实美声、通俗的技法都包括在声乐这个范畴里面。人们评价艺术和体育的时候都总爱说一句话:“条条大路通罗马”。说到足球，不管什么南美技术型，欧洲力量型，只要能进球就行;说到歌唱，自然是好听就行。此外，不管美声唱法还是通俗唱法，都是建立在科学的发声方法基础之上的，没有科学的方法，声音就不会有持久的魅力。但是，从演唱方式和风格上来看，两种唱法之间的区别还是很大的。美声讲究声音的松、通、圆、亮，讲究声音的华丽、华美;通俗则讲究演唱风格的个性化。下面就美声唱法与通俗唱法做一些比较。

　　前文我已讲述大概讲诉了美声唱法的特点，那么何为通俗唱法呢?

　　多用自然嗓音，吐字清晰，亲切随意，这种因通俗歌曲而产生的唱法，即可称之为通俗唱法。通俗歌曲演唱简明易懂，所表达的情感贴近人们的生活，因而深受大家的喜爱。很多时候，人们都会情不自禁地唱起歌来。或高兴，或优郁，唱歌都可以使心情放松，逐渐的唱歌发展演变成一种大家共同享受的娱乐项目。唱歌在人类的日常生活中占有非常重要的位置。但大部分人唱歌虽然能使自己快乐，却不一定能给旁人带来偷悦，甚至令人无法容忍是为什么呢?因为人生下来不久即会说话，是自然而然的一件事，但唱歌在人的一生中所占的时间比例很小，只有那些音乐天赋特别好，或经过歌唱专业训练的人才能将歌唱得轻松自如，优美动听。

　　最后，我想说一说美声唱法的训练方式，主要有三大点——气息的支持、喉咙的打开、声音的安放

　　1、身体站立的姿态

　　全身前倾，重心放在脚掌的前半部，将人身体分为前后两个部分，前半身自然放松，后半身紧张站立，此时赶到四个部位又微微的力量：一是后脖经部挺立感，二是腰部紧张感，三是臀部收缩感，四是脚尖站定感。这四个部位的微力感连为一线，称为“四点一线”，这种四点一线的感觉就是正确的歌唱姿势感觉。

　　2、张口练习

　　弯腰15度，身体放松，左手食指轻轻托着下巴(不是压)。用后脖颈和笑肌的力量，使口向上张开，露出上牙，下巴放松，形成到三角口形。向上张开时，笑肌积极工作，此时两腮和鼻根的两边有向上提的力量，这“四个点的力量”，使鼻咽腔打开而稳定，因此在歌唱时，要始终保持，不能松懈。

　　要求三张：张口、张鼻孔、张(睁)眼睛，张口时喉位自然下方，喉咙自然打开。张鼻孔、睁眼睛时，鼻咽腔自然打开(即“洞洞”)而站定，从而形成从喉咽腔——口咽腔——鼻咽腔的一条畅通无阻的共鸣通道。其整体似惊喜感。

　　张开后，口咽腔要有“噢”的感觉。也就是要有半打哈欠的感觉和状态。要用脑子想“噢”，而不是咬“噢”，更不能用舌根压。这样想着“噢”，软口盖自然提起，口咽腔自然打开而稳定。

　　向上张开的同时，要求收小腹，低头闭口时，小腹放下来。这样，张口时收腹，闭口时松腹的反复练习，锻炼了小腹的灵敏性。

　　所有的动作完成后的一霎那，头顶要有挺拔、提神的感觉。

　　3、挺起胸动作

　　动作：两手从胸前开始向头上放打开再放下，这样就使胸很好地挺起来了。注意保持这种身体提起的状态，在演唱过程的始终。

　　4、吸气的方式

　　体会吸气自然的方式：收小腹，吐出腹内的空气，然后放松小腹，小腹自然复原，感觉气息自动地被吸入小腹。这种自动的吸气方式就是歌唱的吸气方式。先扩胸，再吸气。

　　保持吸气的方式：先扩张上腹，再收小腹。

　　呼气的时候，上腹部先微微突出并“保持”着这种凸出的感觉，四拍以后，腹肌才缓缓地朝里收缩，声音向下够着底气，气托着声音，声音坐在其上。声音的深度感、距离感。

　　呼吸运动的练习：锻炼上腹部控制呼吸的能力

　　快吸慢出，每次五分钟

　　抬胸吸气，凸上腹、收小腹、停息一二秒。

　　呼气(嘴唇闭紧说“丝”字或“夫”字)，上腹部先凸出在朝里收缩，延长15秒——30秒。

　　再吸气，停止吸气，然后开口，喉头向下挡气，慢慢哈气，延长20——30秒(歌唱时的呼气就是这种哈气的感觉)

　　再吸气，停止吸气，叹气出“啊”音，延长20——30秒。

　　演唱中，左手放在上腹“╲╱”型三角区上，右手放在下腹部。唱歌时，左手感到上腹部凸起，右手感到小腹收缩。

　　以上便是我对美声唱法的鄙见，期待来日我能对其形成更深一层的认识。掌握更高深的歌唱技巧。

　　扩展资料：

　　一、发声方法的科学性

　　发声方法的科学性是美声唱法的第一个基本的审美特征。在美声、民族、通俗三种唱法中，美声唱法的发声方法是最科学的，美声唱法起源于意大利，是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的，从文艺复兴以后逐步形成了美声唱法。

　　美声来自意大利文Bel canto,意思是美好的歌唱，Bel canto在西方音乐界的定义与我们的理解不同，他们对Bel canto的理解指的是由作者家罗西尼(Rossini)、多尼采蒂(Donizetti)、贝利尼(Bellini)等人那个时期的作品和歌唱艺术，它包括那时代歌唱的风格、技巧、内容、形式以及歌唱方法，其主要特征是声音轻松自由，音域宽广有共鸣且表现细腻，科学理论的介入与支撑终伴随着美声唱法的产生、发展壮大，与意大利传统美声唱法相关的学科有人体解剖学、物理音响学、声乐美学等等，并且还衍生出嗓音生理学、嗓音治疗学等边缘学科。这些相关的理论科学，详尽地阐述了歌唱腔体的构造，以及肌肉的运动规律，为美声歌唱方法提供了理论上的指导与帮助。

　　美声唱法历经几百年传承、总结、发展得更加成熟，在意大利，他们拥有世界上最多最著名的声乐教育家，比如欧洲声乐史上的加尔西亚家族，在他们的努力下，美声唱法形成了科学的教育体系，训练逐渐地规范化、系统化、科学化。在演唱过程中声音的运用完全依照极其严格规范的科学的发声方法。如胸腹式联合呼吸法、深喉头位置、面罩共鸣等等。

　　二、演唱的严谨性与创造性。

　　用美声唱法的演唱时，必须严格按照作曲家的原意，依照谱面上写的节奏、表情、速度、力度、呼吸等具体要求演唱，不允许自由发挥，与民族唱法嗓音运用的说唱性、随意性及通俗唱法嗓音运用的自由性、自然性，形成对比。歌唱家在演唱歌曲时,不仅要完成乐谱表面的视唱,充分表现作品的原创意图,更重要的是演唱者用自己的感受与体验来表现作品情感的过程,通过再创造融入个性,从而架起演唱者与观众之间情感交流的桥梁。

　　创造性使声乐作品在创作中获得生命与价值，体现声乐作品的情感。创造性是依据原作，从各个角度注入符合内容要求的新意，对原作内容和主题做扩展和延伸，丰富作品的外延和内涵。声乐表演还需要融入个性，在很多情况下，人们更希望听到歌唱者有个性的演唱以及对作品独到的见解与解释，个性的体现预示着创造性的逐渐成熟，它表明声乐演唱者已具有清醒的自我意识，不仅对声乐作品有自己独到的见解和认识，并能根据自身的条件和特长，找到适合自己的表演方式，形成独特的个性化的表演风格。

　　有位音乐评论家在评述20世纪两位世界著名女高音歌唱家和他们扮演多尼采蒂的歌剧《拉美莫尔的露契业》的女主人公时说:“卡拉斯倾心于崇高的激情，使露契亚这个角色的解释有气魄和激昂的表现，她的主人公完全不是个纤弱无力的人物，她不服于命运，而和命运作斗争。萨瑟兰创造的形象则比较抒情，比较温柔，从歌剧开始就使人明确这是位高傲的、体态威严的姑娘……”这两种结果，显然同表演者的个性特征和主观创作造成的。从作品的内涵和生活的真实性出发，通过自己的再创造，融入个性，挖掘作品潜在的，甚至是作者都没有想到的东西，使歌唱达到感人的境界，产生动人心弦的艺术效果。

　　三、美声唱法演唱风格的多样性

　　美声唱法是混合声区，混合共鸣，讲究声音真假混合，演唱歌剧作品时口咽腔和鼻咽腔用得多一些，而在演唱艺术歌曲时口咽腔和鼻咽腔用得少一些，到高音也不用掩盖。这些方法虽说都是美声唱法，但唱不同的作品时在唱法上有细微的变化，才能适应作品的需要。不同时期、不同风格、不同作曲家的作品，即使同一个作曲家，选择曲目不一样;演唱时的风格就不一样，嗓子的用法也不一样。比如俄罗斯学派：俄罗斯有些唱法口腔用的比较多，尤其是男中音。这是他们语言的特点，也不绝对是方法好坏，不完全因为用他们的作品、他们的语言，训练出来的就是那样，其中是方法问题，也是风格问题。再拿作品来说，意大利风格的热情奔放、灿烂绚丽，德国风格的是含蓄严谨、细腻优美，而法国的风格则是浪漫秀丽、清新典雅，俄罗斯的风格又是深沉厚重、雄浑博大，中国的则是以朴实真挚、婉转悠扬。

　　四、声音特征的变化丰富性

　　表达人类感情的工具再没有比人的声音更强烈,更有效果了,有时甚至不依赖语言,当它完全让声音的内在音色及音调来表达时,也一样使人感动。德国音乐理论家舒巴尔特说:“人的喉咙是剧作的第一个最纯洁的、最卓越的乐器。”美声唱法要求有一定规范和一定准则的音色，这种音色能穿透几百人的交响乐队，再传到几十米甚至几百米外的最远的听众耳朵里。帕瓦洛蒂说:“我追求的是清彻而带金属声的音色，当然决不是太监那样的声音”。

　　意大利世界级男高音歌唱家斯泰芳诺能用丰满厚实、自由飞翔的声音，细致、多样的力度变化，强有力的高潮，丰富的音色色彩征服听众。著名女高音歌唱家近六十岁的尼尔森到美国演出时，“她那独具一格声音象激光一样集中，金属般的音质和高音区奇特的音色发挥了震荡屋宇的威力。”《纽约时报》曾评述过著名女高音琼.萨瑟兰:“高音区干净、清彻如银铃一般，使人想起长笛，中声区热情、充实使人产主双簧管沁人肺腑的歌唱的印象，而柔润、浑厚的低声区仿佛发自大提琴。以银铃、长笛、双簧管、大提琴等乐器的“声音形象”来比喻萨瑟兰的嗓音魅力。意大利女中音菲奥伦萨·考索托也认为歌手一定要找到自己的音色或自己的声音。

　　五、美声唱法的时代性

　　艺术是时代反映、记录着时代的本质特征，不同时代的同一种艺术形式，有着不同的特征。西洋歌剧艺术的发展也是这样，声乐艺术作品遵循那个时代历史，具有鲜明的时代性。例如:莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》中费加罗的咏叹调《你不要再做情郎》.就充分表现出18世纪意大利青年男女为追求爱情自由而机智斗争的时代特征。作为男仆的费加罗为了娶女仆苏珊娜为妻，机智地劝说对苏珊娜垂涎已久的主人阿尔马维瓦伯爵:“男子汉大丈夫不要一天天谈爱情，再不要梳油头喷香水，不要满脑袋风流艳事……”等等。

　　六、美声唱法的情感

　　情感是一切音乐作品的审美特征中最为重要的特征，是音乐艺术的灵魂，正如德国伟大的哲学家黑格尔所言:“音乐所特有的因素是单纯的内心方面的因素，即本身无形的情感。” 音乐情感的丰富性，来源于作曲家情感的丰富性。莫扎特、威尔第、比才、柴科夫斯基等许多歌剧作曲家，既是情感十分丰富的人，又是善于用情感作曲的人。剧中人物情感丰富，是作曲家与演唱者情感世界的桥梁。例如普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》中女主人公蝴蝶夫人的咏叹调《晴朗的一天》，充分表现出蝴蝶夫人幻想着自己朝思暮想的丈夫……美国海军上尉平克尔顿乘船归来的那种期盼、惊喜、怀疑、羞涩、徘徊等丰富而又复杂的情感。演唱者情感丰富，是连接人物情感与听众情感的纽带。演唱者通过对人物情感的表达，引起听众情感的共鸣，最终达到“以情动人”的艺术效果。

　　声乐艺术,既要声音悦耳,又要情感浓深，即“声情并茂”。“声情并茂”一语,道出了声乐艺术的基本特点,也道出了人们对声乐艺术的重点要求。声乐美学的核心，也就是“声情并茂”。人们要求声乐艺术，既要声音悦耳，又要情感浓深。

　　再说语言，声乐语言是通过音乐的手段获得旋律节奏感的歌唱性语言。它要具备高度准确、鲜明的形象、强烈的动作等显著的美学特征才行。语言中讲究依字行腔, 语调色彩讲究轻重强弱、高低抑扬、快慢疾徐、顿挫连断,以及语气、语势的表现丰富, 优美的声音是由自然嗓音、科学发声和音乐修养、审美心境等多种因素构成的。

　　美声唱法的歌手，要想唱好歌，在表演艺术框架内，借鉴戏曲、戏剧的一般规律，结合声乐表演的音乐性、多元性、歌唱性、虚拟写意性、形体表演的造型性、舞蹈性等艺术特征，揣摩表演的心理技巧与形体技巧，推敲形体表演，总结分解的、系统的基本功训练与整体综合的艺术创造及舞台实践，继承、借鉴世界各国的戏剧、歌剧、话剧、电影等表演艺术的优良传统与精髓就能更加快速的发展。

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