钢琴大师谈钢琴演奏(三十二)

钢琴大师谈钢琴演奏(三十二)

    英国钢琴家，1 866年生于伦敦，1945年去世。他的父亲，艾恩斯特·鲍尔是一位著名的钢琴教育家，曾写作大量教材，在英国的音乐教育方面起到无可估量的作用。麦克斯·鲍尔早年跟他父亲学习钢琴期间，其父同时指导着另一名著名的英国钢琴家尤金·达尔贝特。麦克斯·鲍尔15岁时去了卡尔斯鲁赫，师从莱赫纳尔(V.Lachrler)，1885年回伦敦。
　　1887年他被聘为科隆音乐学院钢琴系主任，并继续任职十年，直至受聘至斯图加特，成为钢琴系首席教师，后任学院的院长。
　　鲍尔以钢琴名家的身份在伦敦举行首演，并在欧洲各地及美国举行音乐会演出。曾编订舒曼和贝多芬的钢琴作品。
　　
　　近代钢琴演奏中的问题
　　
　　在钢琴演奏中保存一个人的个性特点，也许是钢琴学习中最困难、同时也是最基本的任务之一。技巧能力，归根结底是以正确的生理动作应用于所演奏的作品的艺术性需要，它暗指对作曲家思想的基本要素有清楚的理解。我们经常听到所谓的“手腕触键”，事实上，不可能有一种手腕触键，因为手腕只是骨头和肌肉的奇妙的自然铰链。有关触键，手臂的整体动作要比手腕的动作重要得多，手腕仅仅是把手臂重量传递到键盘的器官的一部分。
　　那么，技术的整个概念，就是通过有意识的努力，达到可以不必用有意识的努力去完成的目标。除非这一点可以做到，我们不可能指望在演奏中有真正自己的表情。技术是隐藏在凉亭的树叶和花束下面的棚架。如果一位艺术家是真正伟大的，他会忘记一切有关技术的想法。他必定是全神贯注于他音乐信息的纯粹的美，以及他对自己音乐个性的表达。
　　极少钢琴演奏大师对他们艺术的技术教学方面进行了深入的探究，如陶西格、厄尔利希(Ehrlich)或约瑟夫(Joseffy)，他们都创造了有关技术的出色作品。李斯特对钢琴技术的贡献主要通过他的乐曲而不是通过基本练习。至于我个人，很反对固定的方法，就是那种假设要像工厂生产一样地传授给学生的东西。教师如不能通过经验来谨慎地运用他的知识，那还有什么价值呢?一切当代的技术，都是来自许多研究者和创新者的共有遗产。钢琴教学事实上是一切工作中最艰难的。真正具有重要意义的教师；是那些有能力、有才能、有经验和有意识为每一个学生形成一种全新方法的人。
　　为了能通过自己的艺术最有效地传达自己的信息，必须能掌握自然倾向和严格训练之间细致的平衡。如果学生受太多纪律的约束，可能会得到僵硬笨拙的结果。假如允许学生柔弱和松懈地弹奏，并误认为是自然和放松，无疑就会产生毫无特点的演奏。最重要并迫切需要的是本性和训练之间的精细的平衡。
　　要防止机械式地演奏。有一种显示演奏家个性的“某种东西”，而几乎不可能说清楚它是什么，我们无论如何要保存它。在有些艺术家演奏的唱片中，他们对音乐的解释是我完全熟悉的，但仍保留着毫无疑问的个性标志，有时这种标志是小小的缺点，然而，它们是极为细致的，因此只是增加了特点。我们大家都有手臂、手指、肌肉和神经，但我们要在键盘上说的话，应该是我们自己头脑的表述，而不是某种定型模式的复制品。艺术家的个性必须渗透在他所做的一切之中，当他的技术足够强大，就使他能以流畅和自我的表情来表达，并使他的工作价值增强一千倍。
　　学生如果以为只要具备手指灵活性并熟悉一定数量的乐曲，自己就是够熟练了，那是很大的错误。学生必须尽可能多地努力完成头脑的工作。传统的做法要求弹奏车尔尼或克拉莫以及其他多产练习曲写作者的每一首练习曲，这完全是错误的。从这些教材写作者的作品中做出聪明的挑选是可取的，但肯定不是全部。它们最多只是为某些目标而必须学习的材料，而那目标应是高度艺术性的效果。学生必须始终记住，他的手指只是他内在意识的外部器官。他的工作可能部分是机械性的，但他决不应机械地思考。最短小的技术练习必须有它自己的方向和目标。没有任何事情可以不带有明确的具体目的去做。学生必须向自己指出，他需要走过什么样的路，它又引导到哪里。教师最重要的使命是提高学生的意识，直到他能具备自己的力量去展开一个乐思。
　　学生似乎倾向于非常小心地遵守小节线而失去作为整体乐句的总体意思。音乐应该根据乐句来学习，而不是小节。学生如果永远不能摆脱以小节来弹奏的习惯，就永远只看到音乐的碎片，而不会看到作曲家信息的整体，也就永远不可能艺术性地演奏。许多学生认识不到，在某些乐曲中，实际上数出小节中的拍子会是误导。整个作品的节奏往往由一系列小节来标志，你必须以小节为单位来数，而不是根据小节中的音符。学生会不断地遇到机会沿着更广阔的路线去进行他的工作，而这一切的最奇妙之处在于，音乐包含了如此多和惊人的内涵，对它的研究不会有尽头。一首杰作中的每一页，虽然已经学习多年，很可能仍包含一些未解决的问题，只要学生能正确地看到它，并抓住它。

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